Le mixage de la voix lead est une étape cruciale dans la création d’une production musicale réussie. Dans FL Studio, l’utilisation de plugins spécifiques et des techniques de mixage appropriées peuvent grandement améliorer la qualité sonore de la voix lead. Suivez ce guide complet pour apprendre à mener à bien ce processus dans FL Studio.

Étape 1 : Préparation de la Voix

Avant de plonger dans le mixage, assurez-vous que votre enregistrement vocal est de haute qualité. Utilisez un bon microphone, traitez acoustiquement l’environnement d’enregistrement, et effectuez des éditions nécessaires pour éliminer les bruits indésirables et ajuster le timing.

Étape 2 : Édition de la Voix

Utilisez l’éditeur de votre choix pour effectuer des ajustements tels que le nettoyage des silences indésirables, l’alignement du timing et l’élimination des souffles excessifs.

Étape 3 : Égalisation (EQ)

Utilisez un égaliseur pour sculpter le son de la voix. Fruity Parametric EQ 2 (EQ2), inclus dans FL Studio, est un choix puissant. Coupez les basses fréquences indésirables, accentuez les fréquences médiums pour la clarté, et ajoutez une brillance légère en boostant les hautes fréquences.

Étape 4 : Compression

Régulez la dynamique de la voix en ajoutant un compresseur. Utilisez le Fruity Limiter inclus dans FL Studio ou des plugins externes tels que Waves CLA-2A pour maintenir un niveau de volume constant et améliorer la présence.

Étape 5 : Effets de Réverbération et de Délai

Ajoutez de la profondeur à la voix avec des effets de réverbération comme Fruity Reeverb 2. Intégrez également des effets de délai, par exemple, Fruity Delay 3, pour créer un écho subtil et donner une ambiance spacieuse.

Étape 6 : Édition de la Dynamique (Ducking, Automation)

Pour assurer la clarté dans le mix, utilisez des techniques d’édition de la dynamique telles que le ducking. Automatisez certains paramètres, comme le niveau de réverbération, pour ajouter de l’expressivité à la voix au fil du morceau.

Étape 7 : Édition Finale et Export

Effectuez une écoute attentive du mix, ajustez si nécessaire, et assurez-vous que la voix s’intègre harmonieusement dans l’ensemble du morceau. Exportez ensuite le mix final.

Conseils Supplémentaires :

• Soyez Subtil : Des ajustements subtils peuvent avoir un impact significatif.
• Utilisez des Sends et Returns : Pour les effets tels que la réverbération, utilisez des canaux d’envoi pour plus de contrôle.

Chaque piste vocale est unique, alors expérimentez avec ces étapes et adaptez-les en fonction des besoins spécifiques de votre enregistrement. Le mixage de la voix lead dans FL Studio devient un art lorsque vous maîtrisez ces techniques et les ajustez en fonction du style musical et de l’émotion que vous souhaitez transmettre.

DuBon

Le mastering audio est la phase finale cruciale dans le processus de production musicale, visant à polir et à perfectionner le mix final. Cubase Pro 12, une puissante station de travail audio numérique (DAW), offre un ensemble d’outils sophistiqués pour mener à bien cette étape avec précision. Dans cet article, nous explorerons étape par étape le processus de mastering dans Cubase Pro 12.

Étape 1 : Importation du Mix

Avant de commencer le processus de mastering, assurez-vous d’avoir importé votre mix final dans Cubase Pro 12. Ouvrez un nouveau projet ou chargez votre projet existant, puis importez votre mix dans la piste de montage.

Étape 2 : Ajout des Plugins de Traitement Audio

Égalisation (EQ)

Commencez par ajouter un plugin d’égalisation à votre piste de montage. Utilisez l’EQ pour ajuster la balance tonale du mix en éliminant les fréquences indésirables et en accentuant les zones nécessitant une amélioration.

Compression

Intégrez un compresseur pour égaliser la dynamique du mix. Contrôlez les pics et les creux afin d’obtenir une plage dynamique plus cohérente et équilibrée.

Limitation

Ajoutez un limiteur pour contrôler le niveau global du mix. Configurez le limiteur de manière à maximiser le volume sans introduire de distorsion indésirable.

Stéréo Widening (Élargissement Stéréo)

Si nécessaire, utilisez des plugins pour ajuster la largeur stéréo du mix. Cela peut contribuer à créer une expérience sonore plus immersive.

Étape 3 : Travail dans l’Éditeur Audio de Montage

Ouvrez l’éditeur audio de montage en bas de l’écran Cubase. Utilisez cet outil puissant pour organiser et ajuster les différentes parties de votre projet de mastering. Ajoutez des marqueurs pour identifier les sections du morceau, comme les intro, couplets, refrains, etc.

Étape 4 : Exportation du Projet Masterisé

Configurez les paramètres d’exportation dans Cubase en choisissant le format de fichier, la résolution, la fréquence d’échantillonnage, etc. Exportez ensuite le projet masterisé vers un fichier audio final.

Conseils Additionnels

• Écoutez sur Différents Systèmes : Pour garantir la qualité sonore sur une variété de sources, écoutez attentivement votre master sur différents systèmes audio.
• Collaboration avec un Ingénieur du Son : Si le mastering reste un défi, envisagez de collaborer avec un ingénieur du son spécialisé dans le mastering pour obtenir les meilleurs résultats possibles.

En conclusion, Cubase Pro 12 offre une plateforme puissante et complète pour le mastering audio. En suivant ces étapes, vous pourrez affiner votre mix final, lui donnant la qualité et la clarté nécessaires pour briller sur toutes les plateformes. Maîtrisez l’art du mastering et offrez à votre musique la finition qu’elle mérite.

DuBon

La compression sidechain est une technique populaire en production musicale pour créer des effets sonores dynamiques et percutants. Elle est largement utilisée dans divers genres musicaux, notamment la musique électronique, pour ajouter du mouvement et du groove à une piste. Dans cet article, nous allons explorer comment mettre en œuvre la compression sidechain dans Cubase, l’un des logiciels de production musicale les plus utilisés.

Étape 1 : Ajouter le Plugin de Compression

1. Ouvrez votre Projet : Lancez Cubase et ouvrez le projet dans lequel vous souhaitez appliquer la compression sidechain.
2. Sélectionnez la Piste Cible : Choisissez la piste audio que vous souhaitez compresser en sidechain. Il s’agit généralement de la piste dont le volume doit être ajusté en fonction d’un autre élément.
3. Ajoutez le Plugin de Compression : Insérez un plugin de compression dans le canal d’insertion de la piste cible. Vous pouvez le faire en cliquant avec le bouton droit de la souris dans la zone des inserts de la piste et en choisissant un plugin de compression approprié.

Étape 2 : Configurez l’Entrée Sidechain

1. Trouvez la Section Sidechain : Dans le plugin de compression que vous avez ajouté, recherchez la section qui vous permet de configurer l’entrée sidechain. Cela peut être indiqué par des paramètres tels que “Sidechain Input” ou “Key Input.”
2. Sélectionnez la Source Audio Sidechain : Choisissez la source audio que vous souhaitez utiliser comme signal de sidechain. Cela peut être une autre piste audio, un bus de groupe ou même un instrument virtuel.

Étape 3 : Ajustez les Paramètres de Compression

1. Seuil et Ratio : Configurez les paramètres de compression tels que le seuil (threshold) et le ratio pour déterminer à quel point la compression doit être appliquée lorsque le signal de sidechain dépasse le seuil défini.
2. Temps d’Attaque et de Relâchement : Ajustez les temps d’attaque (attack) et de relâchement (release) pour contrôler la manière dont la compression réagit au signal de sidechain.

Étape 4 : Créez l’Effet de Compression Sidechain

1. Réglez le Niveau de Sidechain : Le niveau du signal de sidechain déterminera l’intensité de la compression. Plus le signal de sidechain est fort, plus la compression sera prononcée.
2. Créez un Effet de Pompage Rythmique : Pour créer un effet de pompage rythmique, utilisez une piste de grosse caisse comme source de sidechain. Réglez la compression de manière à ce que d’autres éléments audio s’estompent légèrement à chaque coup de grosse caisse, créant ainsi un effet rythmique captivant.

Étape 5 : Ajustez le Mix

1. Équilibrez les Niveaux : Une fois que vous avez obtenu l’effet de compression sidechain souhaité, ajustez le niveau de la piste sidechainée par rapport aux autres éléments de votre mix pour assurer un équilibre sonore harmonieux.

Conclusion

La compression sidechain dans Cubase est une technique puissante pour créer des effets sonores dynamiques et créatifs. En utilisant des plugins de compression avec une entrée sidechain, vous pouvez ajouter du mouvement, de la profondeur et du groove à vos productions musicales. En expérimentant avec différents réglages et sources de sidechain, vous pouvez découvrir de nouvelles façons d’exprimer votre créativité et de rendre vos morceaux plus captivants.

DuBon

Le mastering est l’étape finale de la postproduction audio. Le but du mastering est d’harmoniser l’ensemble des éléments sonores du mix stéréo et d’en optimiser la lecture sur tous les systèmes et supports.

Voici les étapes typiques de mastering en home studio, par ordre :

08 Étapes Pour Assurer le MASTERING de vos Morceaux

1- Écoute critique :

Le mastering doit commencer par une écoute des morceaux, afin d’identifier les problèmes éventuels et les zones à améliorer.

Oui, c’est vrai. Il est essentiel que le processus de mastering commence par une écoute attentive des morceaux pour comprendre leur nature, leur qualité sonore et les problèmes éventuels. Les écoutes critiques permettent d’identifier les zones à améliorer et de déterminer les objectifs à réaliser lors des étapes suivantes de mastering. C’est pourquoi une écoute attentive et critique est une étape très importante du processus de mastering en home studio.

2 – Nivellement des pistes :

Cette étape consiste à égaliser et à équilibrer le volume des différentes pistes pour assurer une cohérence sonore.

après l’écoute critique des morceaux, il est temps d’entrer dans l’aspect technique du mastering. L’un des premiers éléments à prendre en compte est l’égalisation qui sert à corriger les problèmes de fréquences qui peuvent altérer le son global de la musique. À cette étape, le technicien de mastering surveillera également le niveau de volume des différentes pistes et équilibrera leur intensité sonore afin que chacune soit entendue de la même manière. Cela permettra d’obtenir un son cohérent et uniforme sur l’ensemble du morceau.

3 – Compression :

La compression est utilisée pour réduire les pics de volume, augmenter la présence de l’instrument ou de la voix, et lisser le son général.

Exactement, la compression est une autre étape importante dans le processus de mastering. Elle est utilisée pour réduire la dynamique d’un morceau et égaliser le niveau de volume global en réduisant les pics de volume et en augmentant les niveaux plus faibles. Cela permet de rendre la musique plus compréhensible, plus cohérente et plus agréable à l’écoute.

La compression permet également d’augmenter la présence des instruments ou de la voix, car elle peut aider à renforcer ou à atténuer certaines fréquences pour donner plus de profondeur et de clarté au mixage. Cependant, il est important de ne pas en abuser, car une utilisation excessive de la compression peut entraîner une perte de dynamique et de vie dans la musique. Un bon technicien de mastering sait adapter la quantité de compression à chaque morceau en fonction de sa caractéristique sonore unique.

4 – Égalisation :

L’égalisation est utilisée pour ajuster le son de chaque piste et pour corriger les fréquences problématiques.

Tout à fait, l’égalisation est l’une des étapes les plus importantes dans le processus de mastering. Elle permet d’ajuster le son de chaque piste afin d’obtenir un équilibre tonal optimal, en modifiant les niveaux de fréquence de la musique. Cela peut inclure la correction des fréquences problématiques, la suppression des bruits indésirables, l’accentuation des fréquences clés, etc.

Le but de l’égalisation est de rendre le son le plus clair et le plus équilibré possible, afin de permettre une écoute agréable et une bonne perception de chaque élément musical présent dans la composition. Un bon technicien de mastering doit être en mesure d’évaluer les besoins de chaque piste individuelle afin d’obtenir le résultat souhaité. Cela peut inclure l’utilisation de différentes formes d’égalisation, tels que le band-pass, le passe-haut, le passe-bas et le plateau pour atteindre l’objectif final.

5 – Enhancement :

Cette étape peut inclure l’utilisation d’effets tels que la réverbération, le delay ou la distorsion pour améliorer l’impact sonore et ajouter de la profondeur à la musique.

Exactement, l’utilisation d’effets tels que la réverbération, le delay ou la distorsion est une étape importante pour améliorer l’impact sonore et ajouter une certaine profondeur à la musique. Ces effets sont connus sous le nom d’effets de traitement sonore et sont utilisés pour ajouter une largeur, une profondeur et une dimension supplémentaires à une série d’enregistrements audio.

La réverbération aide à donner l’impression que la musique a été enregistrée dans une pièce plus grande que celle où elle a été mixée, ce qui ajoute de la profondeur et de la richesse à la composition. Le delay permet de créer un effet d’écho pour donner l’impression que les sons sont répercutés à travers une grande salle. La distorsion, quant à elle, permet de donner un son plus caractéristique à la musique, en ajoutant un certain niveau de saturation ou de distorsion aux sons.

6 – Limiting :

Le limiting est utilisé pour s’assurer que le volume final de la piste ne dépasse pas un certain seuil et pour maximiser le volume général de l’enregistrement.

7 – La création des “fade-ins” et des “fade-outs” :

Cette étape consiste à ajuster les niveaux sonores pour créer des transitions douces entre les pistes ou les différentes parties d’une chanson.

8 – Vérification finale :

Après toutes ces étapes, il est important d’écouter la piste une fois de plus pour s’assurer que les niveaux et les sons sont cohérents et agréables à écouter.

DuBon

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Apprenez le mix audio et donnez à vos enregistrements le traitement qu’ils méritent en apprenant à équilibre artistiquement les fréquences, les amplitudes, mais aussi à gérer la dynamique ainsi que les reverb. Destinée aux musiciens comme aux amateurs de son, ce cours audio en vidéo vous donne toutes les bases et les techniques fondamentales dans le mixage audionumérique. Vous êtes accompagné par M-PAWA, ingénieur du son au Studio immortalize et musicien, qui a mixé des titres pour des artistes tel que KO C, la Star aviero ou encore pour des Majors du disque tel eriko ou encore Universal Music. Ce cours en ligne très complet vous explique en détail les 3 dimensions du mixage pour avoir une vision complète des paramètres qui composent un mix. Elle est suivi de cas pratiques qui traitent dans le détail le mixage de la batterie, de la basse ou encore des guitares, des claviers et pour finir des voix.

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DuBon

Le mastering est la dernière étape de la création d’un morceau de qualité professionnelle. son but est d’harmoniser l’ensemble des éléments sonores du mix stéréo et d’en optimiser la lecture sur tous les systèmes et supports. Ainsi, il excitent plusieurs logiciels et plugin de mastering Audio pour la MAO(musique assisté par ordinateur). voici les meilleurs plugins de mastering les plus utilises.

1. iZotope Ozone

La suite logicielle de mastering complète Ozone 9 Advanced d’iZotope est dotée d’un traitement intelligent et d’une foule de nouvelles fonctionnalités. Corrigez les niveaux des instruments individuels dans un fichier stéréo avec la fonction Master Rebalance. 

iZotope Ozone 9 Advanced Mastering Suite est une suite logicielle de Mastering avec 16 modules : Master Rebalance, Low End Focus, Tonal Balance Control, Master Assistant, Match EQ, et le Plug-in d’integration iZotope. Il est compatible Native Mac/PC AAX, VST2, VST3, AU et NKS. Faites entrer l’IA dans vos mastering.

ce logiciel ou pulgin de Mastering Ozone d’iZotope intègre à peu près tous les types d’effets dont vous pourriez avoir besoin pour le mastering :

• Egaliseur (avec notamment des courbes ultra-musicales Baxandall, du nom de l’inventeur) ;
• Compresseur ;
• Egaliseur dynamique ;
• Exciter (ajout d’harmoniques) avec différents modes ;
• Maximizer pour remonter le niveau ;
• Outils divers, dont un permettant de référencer la piste par rapport à d’autres morceaux ;
• Dans la version complète, des modules de compression, d’EQ, de saturation et de limiting « vintage ».

Editeur : iZotope

2. Eventide / Newfangled Audio EQuivocate

Editeur : Eventide / Newfangled Audio

L’Equivocate est un égaliseur à phase linéaire disposant de 26 bandes de traitement. Il est conçu pour donner un rendu naturel et se faire oublier.

Il y a trois façons de l’utiliser :
– sur une piste comme un EQ classique
– en routant deux pistes vers lui pour les fusionner
– sur le Master en tant qu’égaliseur de cohérence

3. Le Dangerous BAX EQ de Brainworx

Editeur : Plugin Alliance / Brainworx

Le Dangerous BAX EQ de Brainworx est l’un des égaliseurs les plus fluides, très simple à utiliser, car il n’offre « que » deux courbes de Baxandall (qu’il faut imaginer comme des filtres de type shelf) complétées par des filtres passe-haut et passe-bas. Mais l’avantage, c’est que ces courbes d’égalisation sont ultra musicales, surtout entre +0 et +3 dB. Elles permettent littéralement d’altérer l’équilibre des fréquences du morceau de façon complètement transparente.

4. Brainworx bx_digital V3

Editeur : Plugin Alliance / Brainworx

Bx_digital v3 est l’égaliseur de mastering par excellence : un vrai plugin de référence.

Comme vous pouvez le voir sur la capture d’écran plus haut, il est assez complexe — du moins, beaucoup de réglages sont disponibles.

5. FabFilter Pro-L 2

Editeur : Fabfilter

FabFilter Pro-L 2 est un puissant Plug-in limiteur Brickwall avec 8 algorithmes, mode True Peak, mesure du volume sonore conforme aux normes et prise. Nécessairement, dans votre chaîne de mastering audio, vous allez à un moment ou à un autre avoir besoin de remonter le niveau de vos mix jusqu’à un niveau « pro ». Pour cela, avoir un bon limiteur parmi ses plugins VST est crucial.

6. Kazrog masterDither

Editeur : Kazrog

Si vous sous-échantillonnez votre audio d’une profondeur de bit supérieure à une profondeur inférieure (c’est-à-dire d’un point fixe de 32 bits à 24 ou 16 bits), vous devez utiliser le dither. Si vous voulez que votre musique soit aussi accessible que possible, vous devez réduire vos enregistrements de haute qualité pour les adapter à ces différents formats. Vous devez donc sous-échantillonner vos fichiers audio (c’est-à-dire les faire passer à une profondeur de bit inférieure) lors de leur exportation. En même temps, vous ne voulez pas éliminer les nuances et la dynamique de votre audio pendant la réduction de la profondeur de bit.

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DuBon

Un égaliseur graphique, plus communément connu sous l’acronyme EQ est utilisé pour modifier la réponse en fréquence ou en d’autres termes le ton d’un son, d’une chanson ou d’un instrument. Il peut être utilisé pour donner plus de basses, moins de graves, plus d’aigus, etc.

1- Réglez toutes les bandes d’égalisation sur 0 ou au milieu. Cela fera que le son sortira des hautparleurs sans aucun effet additionnel.

2- Écoutez vos fichiers audios via le haut-parleur afin de déterminer si une modification est nécessaire.

3- Souvenez-vous que le côté gauche de l’appareil commence généralement à environ 20 K, il s’agit du côté le plus faible, celui des basses, alors que le droit termine généralement à environ 16 K de puissance, c’est le côté des aigus… Le milieu est compris entre 400 et 1,6 K.

4- Réglez l’égaliseur en conséquence une fois que vous arrivez à ce niveau.

5- Réglez le volume au niveau souhaité lorsque l’égaliseur est à l’endroit où vous voulez qu’il soit.

conclusion:

• Ne modifiez pas trop. L’égaliseur peut compenser les défauts de votre système, mais n’oubliez pas que des professionnels, sous la coupe des artistes, ont mis à niveau le son avant de commencer l’enregistrement. Tout cela bien qu’il existe des différences entre tous les hautparleurs et que deux hautparleurs similaires peuvent, selon leur emplacement ; créer un son différent. Ainsi, l’une des principales fonctions d’un égaliseur est de réagir et de s’adapter à la réponse en fréquence d’un hautparleur.
• Un égaliseur graphique fournit un simple effet, mais il peut s’avérer plus compliqué à utiliser.
• De manière générale les basses doivent être minimalement ajoutées ou réduites, alors que modifier les aigus pourrait créer un son moins « limpide ». Une fois que vous avez la quantité de basses, à votre gout et selon la puissance de vos enceintes alors ajustez les aigus (le réglage de droite), puis si cela est nécessaire, passez au réglage de la fréquence intermédiaire.
• Vous pouvez rendre le son plus mauvais en jouant avec.

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DuBon

Sur la base des précédents chapitres de cet article, vous devriez déjà avoir une bonne vision de ce qu’est une réverbe et quelques idées sur la façon dont vous pouvez en utiliser une sur vos mixages.

Toutefois, il me semble important d’ajouter à tout cela une proposition de méthode pour vous aider à choisir la bonne réverbe et à bien la régler lorsque vous l’ajoutez sur une piste.

Voici donc ce que je vous conseille de faire…

Etape 1 : Définir une direction sonore

Avant d’ajouter un plugin de réverbe, il faut absolument se poser un certain nombre de questions, comme par exemple :

• Ai-je besoin d’une réverbe réaliste, ou pas ?
• Est-ce qu’une réverbération longue sera adaptée ? Ou au contraire faut-il quelque chose de très court qui va juste donner un peu de profondeur au son ?
• La réverbe doit-elle être subtile ou pas ? Dense, ou non ? Brillante, ou au contraire très sombre ?
• …

Pour répondre à toutes ces questions, vous allez avoir besoin de choisir la direction dans laquelle vous voulez amener votre mix.

Typiquement, si vous êtes en train de mixer un morceau de musique classique, vous n’allez probablement pas choisir une réverbe aux sonorités très modernes et très créatives. Par contre, si vous mixez un morceau de rap, vous pourrez sans doute vous permettre plus de latitude sur le choix de la réverbe.

Astuce : N’hésitez pas à vous appuyer sur des mix de référence, c’est-à-dire des morceaux d’autres artistes qui ressembleraient à ce que vous voulez faire de votre propre morceau.

Etape 2 : Choisir la réverbe

Sur la base des éléments mentionnés dans le paragraphe précédent, vous devriez pouvoir choisir assez facilement votre réverbe.

Peut-être s’agira-t-il d’un matériel hardware que vous avez dans votre studio, ou alors plutôt de plugins.

Une fois le plugin ajouté, si lorsque vous faites vos réglages vous vous rendez compte que vous n’arrivez pas à avoir le son que vous voulez, n’hésitez pas à passer à un autre plugin

En effet, chaque effet a sa propre signature sonore, et la réverbe à plaque qui marchait très bien sur votre précédent morceau devra peut-être être remplacée par une autre réverbe à plaque sur ce nouveau morceau que vous êtes en train de mixer.

Remarque : si votre réverbe semble trop dense quoi qu’il se passe, n’hésitez pas à essayer un plugin de delay à la place.

Etape 3 : Parcourez les presets

Certaines méthodes vous recommanderaient peut-être de vous plonger directement dans les réglages de votre réverbe.

Le problème, c’est que si vous débutez vous n’allez pas les maîtriser assez pour faire quelque chose de vraiment bien — et si vous êtes un peu plus expérimenté(e) vous n’aurez pas envie de perdre du temps à recréer un set de réglages à partir de zéro.

Aussi, la méthode que je vous propose ici est beaucoup plus pragmatique.

En effet, je vous conseille tout simplement de commencer par parcourir les presets de votre plugin de réverbe.

Si vous suivez Projet Home Studio depuis un certain temps, vous savez sans doute que je ne porte pas les presets dans mon cœur pour ce qui est des EQ et des compresseurs, mais pour les réverbes je trouve qu’ils ont un vrai avantage.

Parcourez-donc les presets de votre plugin, un par un, jusqu’à ce que vous trouviez celui qui sonne à peu près comme ce que vous aviez imaginé.

Dès que vous en avez trouvé un, vous pouvez passer à l’étape 4.

Etape 4 : Ajustez les réglages

Une fois que vous avez trouvé un preset qui correspond à ce dont vous aviez besoin, c’est à ce moment que vous allez pouvoir vous plonger dans les réglages.

Vous aimez ce son de réverbe à ressort, mais vous aimeriez qu’il soit un peu plus long ? Ajustez le Decay.

Vous appréciez le son de Room que produit un preset, mais lorsque vous écoutez votre mix vous avez l’impression qu’il est trop long et trop brillant ? Essayez d’ajuster les options de Size et de Damping.

La réverbe noie un peu trop le son d’origine ? Peut-être qu’un Pre-delay plus élevé pourrait aider…etc.

Etape 5 : Égalisez votre réverbe

Une fois que le son de votre plugin vous convient, je vous conseille très fortement de sortir un égaliseur pour l’ajuster.

Il faut en effet apporter une attention toute particulière aux basses et aux aigus.

Ce n’est pas parce qu’une réverbe sonne très bien lorsque vous l’écoutez seule qu’elle sonnera toujours bien lorsque vous l’intégrerez au mix complet.

Bien souvent, de l’énergie va s’accumuler dans les basses et les médiums, ce qui va rendre le mix confus et brouillon. Un filtre passe-haut devrait aider à corriger ce type de problème.

Dans la même idée, trop d’énergie dans les aigus de votre réverbe risque de la rendre trop audible, de la faire trop ressortir. Si c’est le cas, un filtre passe-bas ou high-shelf pourra sans doute vous aider à contrôler ces hautes fréquences.

Etape 6 : Ajustez le niveau de la réverbe dans le mix

Dernière étape : le niveau.

Prenez le temps de bien ajuster le niveau de votre réverbe vis-à-vis de celui des autres pistes.

Généralement, comme vous aurez positionné votre plugin de réverbe sur une piste auxiliaire (en SEND), ajuster ce niveau sera vraiment facile.

Soyez toutefois prudent(e) : bien souvent, avec la réverbe, il vaut mieux y aller assez doucement pour éviter que celle-ci noie la piste ou prenne le pas sur le reste du mix.

Si nécessaire, n’hésitez pas à faire varier le niveau de la réverbe en fonction des sections de votre morceau grâce à l’automation.

DuBon

Vos mix sont froids ? Ils manquent de chaleur analogique ? De caractère ?

Alors, vous avez probablement besoin d’un ou deux plugins pour ajouter de la saturation.

Attention, je ne parle pas du tout de distorsion, mais bien d’ajouter des harmoniques pour donner de la chaleur et un son plus organique à vos pistes.

Alors, un peu comme mon précédent article sur les réverbes, j’ai sélectionné pour vous 8 de mes plugins préférés de saturation. Et il y en a pour tous les goûts, des plus vintages aux plus transparents.

Et comme d’habitude, ils sont totalement gratuits ! 😉

Bon téléchargement !

Variety of Sound – FerricTDS

Développeur : Variety of Sound

Format : VST (32 bits uniquement)

Impossible de faire une liste sans cet excellent plugin de Variety of Sound. Comme son nom l’indique (TDS = « Tape Dynamics Simulator »), il s’agit d’un plugin simulant le feeling analogique des meilleurs enregistreurs à bandes.

L’interface est assez simple, vous permettant de contrôler à la fois la saturation et la dynamique grâce à deux gros boutons. Un certain nombre de fonctionnalités supplémentaires vous permettent de régler exactement le son que vous voulez.

C’est de très loin mon VST préféré pour ajouter de la saturation et un effet vintage à mes morceaux. Je l’utilise principalement sur les pistes individuelles avec des réglages modérés, et même parfois pour le mastering.

Attention : l’effet est vraiment subtil, alors n’hésitez pas à ajouter plusieurs instances du plugin lorsque vous le testez pour bien comprendre ce que font les différents contrôles.

Cliquez ici pour télécharger FerricTDS

Variety of Sound – TesslaPRO mkII

Développeur : Variety of Sound

Format : VST (32 bits uniquement)

Un autre plugin de Variety of Sound, tout aussi excellent et un peu plus polyvalent.

En effet, vous avez accès à cinq modèles différents de saturation type transformateur, vous donnant la possibilité d’aller d’un son contemporain à un son plus british ou plus américain.

Le réglage « TRANSIENTS » permet de plus d’ajuster à quel point le son des transitoires sera affecté par l’effet. Du coup, il est possible d’utiliser ce plugin dans un grand nombre de situations.

Cliquez ici pour télécharger TesslaPro mkII

Nick Crow Lab – TubeDriver

Développeur : Nick Crow Lab

Formats : VST, AU

TubeDriver n’est pas nécessairement le plus connu des plugins de saturation, mais il n’en reste pas moins terriblement efficace.

S’il est complètement possible de basculer dans la distorsion, je vous conseille de le tester avec des réglages modérés pour voir la façon dont il ajoute les harmoniques. N’hésitez pas à jouer avec le bouton de BIAS pour ajuster la quantité d’harmoniques primaires.

Très sympathique !

Cliquez ici pour télécharger TubeDriver

LVC-Audio – PhreePhuzz

Développeur : LVC-Audio

Formats : VST, VST3, AU, RTAS, AAX

PhreePhuzz a une apparence simpliste, mais il contient tout de même 6 modèles différents de saturation analogique.

Il s’agit en fait d’une version simplifiée de HotPhuzz, un plugin chaudement recommandé par Computer Music.

Comme souvent, vous pouvez le pousser jusqu’à la distorsion, mais ce n’est pas son point fort. En effet, il est beaucoup plus efficace pour ajouter de la chaleur et du caractère à vos pistes.

A tester, notamment sur des caisses claires et des kicks.

Cliquez ici pour télécharger PhreePhuzz

Voxengo – Tube Amp

Développeur : Voxengo

Formats : VST, VST3, AU

Contrairement à ce qu’on pourrait croire en lisant son nom, Tube Amp n’est pas un plugin de simulation d’ampli. Il s’agit plutôt d’une émulation de préamplificateur à lampes.

Comme d’habitude avec Voxengo, le plugin est de très bonne qualité et donne accès à de nombreuses possibilités de son. Utilisez de préférence le « Mode 1 » pour une saturation plus légère, parce que le « Mode 2 » est plus proche de l’overdrive pour guitares.

Au final, malgré très peu de contrôles, vous pourrez ajouter en quelques secondes une saturation chaude et naturelle à vos instruments.

A essayer d’urgence 🙂 !

Cliquez ici pour télécharger Tube Amp

Softube – Saturation Knob

Développeur : Softube

Formats : VST, VST3, AU, AAX

Ah, le fameux Saturation Knob !

Une fois que vous avez passé les lourdes étapes de l’installation et que vous avez activé le plugin, vous allez vous retrouver face…

…à un bouton.

Oui. Un seul. Vous avez bien lu. Mais c’est un bouton magique.

La plupart du temps, je ne le bouge qu’un tout petit peu, en restant dans le premier quart. Au-dessus, l’effet devient beaucoup trop présent, voire même inutile.

Par contre, vous pouvez l’utiliser vraiment sur toutes sortes de pistes… et je trouve qu’il est particulièrement sympathique sur la batterie.

Un must, à télécharger sans hésiter.

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Shattered Glass Audio – SGA1566

Développeur : Shattered Glass Audio

Formats : VST, AU

Le SGA1566 est une simulation de préampli vintage. Cependant, pour un son analogique plus authentique, l’ensemble du circuit électronique est simulé en temps réel.

La contrepartie de cette précision, c’est que ce plugin est extrêmement gourmand en CPU (utilisation du processeur). Heureusement, vous avez en contrepartie un switch qui permet d’alléger les calculs du programme – donc il est quand même utilisable par tout le monde. N’oubliez surtout pas de le remettre en « haute qualité » avant l’export de vos morceaux….

En bref, un excellent plugin, mais j’espère que votre ordinateur est puissant !

Cliquez ici pour télécharger SGA1566

Klanghelm – IVGI

Développeur : Klanghelm

Formats : VST, VST3, AU, RTAS, AAX

Les plugins de Klanghelm sont tous très bons, et IVGI ne déroge pas à la règle.

En effet, il ajoute de la saturation de manière dynamique. Celle-ci peut-être contrôlée assez facilement avec différents contrôles.

A noter notamment le contrôle d’asymétrie, qui permet de rendre la partie négative du signal plus clean. Le résultat est donc plus transparent et plus dynamique.

Du coup, IVGI s’avère très polyvalent et en même temps très facile à utiliser. Un très bon cru !

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Vous cherchez autre chose ?

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DuBon

On entend beaucoup parler de la compression parallèle comme étant une technique de référence pour le mixage et le mastering.

Le terme semble avoir été inventé par Bob Katz, un ingénieur du son américain célèbre spécialisé dans le mastering et connu notamment pour son excellent livre Mastering Audio: The Art and the Science.

En elle-même, la méthode de mix existe au moins depuis la fin des années 70. Elle fut initialement employée par de nombreux studios new-yorkais, ce qui lui donna son autre nom de New York Compression.

Mais concrètement, de quoi s’agit-il ? Dans quelle situation peut-on utiliser cette technique de compression audio, et pour quel effet ? Et surtout, quels sont les réglages idéaux pour la compression parallèle ?

Les réponses, dans cet article ! 🙂

Le principe de la compression parallèle

La compression parallèle est une technique assez simple mais très efficace, applicable à de nombreuses situations — aussi bien dans un contexte de mixage que de mastering.

Une technique simple

Elle consiste à prendre une piste (ou un buss) et à en dupliquer le signal pour obtenir deux pistes identiques.

Sur la deuxième, on applique une compression affectant la totalité du signal, et non pas juste les crêtes. Cette seconde piste est alors mélangée plus ou moins subtilement à la première.

Voici un schéma résumant ce concept :

A noter que dans cette idée, un certain nombre de compresseurs audio (plugins) possèdent un réglage nommé Mix ou encore Blend, qui permet justement de mélanger le signal d’origine au signal compressé.

C’est-à-dire que ces plugins peuvent nativement générer une compression parallèle, sans qu’il soit nécessaire de dupliquer la piste.

A noter : j’ai parlé dans les lignes qui précèdent de « dupliquer » les pistes pour simplifier l’explication. Toutefois, il est également possible dans la plupart des DAWs d’envoyer le signal brut d’une piste à l’autre sans avoir à en copier le contenu.

Quel est l’objectif ?

Avec la compression parallèle, la piste d’origine reste intacte. On ne touche pas aux transitoires — leur attaque est donc conservée.

Par contre, grâce à la piste compressée, on va pouvoir faire ressortir les sons les moins forts, ce qui aura pour effet de faire gagner en corps et en puissance, mais en limitant la perte de dynamique. Comme si on ne gardait que les avantages de la compression.

Et c’est là toute la différence avec la compression classique !

Si l’on avait compressé la première piste directement, les crêtes auraient également été atténuées et on aurait perdu fortement en attaque et en dynamique.

Avec la compression parallèle, à l’inverse, on entend à la fois :

• le son non compressé, dynamique et naturel, de la première piste ;
• le son compressé de la seconde, mais comme s’il n’affectait que les sons les moins forts, dont le volume est alors relevé.

Résultat : le mix sonne plus fort mais reste agréable.

Quand utiliser cette méthode ?

Comme je le disais plus haut, on peut utiliser cette technique dans de nombreuses situations de mix :

• Pour le mastering — probablement le meilleur moment pour employer la compression parallèle, qui permet alors d’apporter de la cohésion au mixage.
• Sur la batterie — la compression parallèle s’avère très efficace sur tous les buss de batterie, de percussions ou sur les beats électroniques.
• Autres usages — bien sûr, on peut très bien l’appliquer par exemple à une piste de chant, à une basse ou même à un piano pour en augmenter le sustain.

Attention toutefois à ne pas trop en abuser, au risque de dénaturer le morceau…

Les réglages

Les réglages à appliquer pour la compression parallèle sont très simples et surtout très rapides à effectuer. Que votre DAW soit Ableton Live, Cubase ou même FL Studio, ces réglages seront toujours identiques.

Tout d’abord, il faut fixer le seuil ou threshold à une valeur très basse, en fonction de votre signal d’entrée. L’idée est que tout ou presque de ce signal doit être compressé. Si vous le fixez trop haut, seules les crêtes du signal seront impactées et la compression parallèle sera moins efficace.

L’attaque doit être la plus rapide possible, pour que les transitoires soient entièrement écrasés, puisque ce sont surtout les sons les moins forts qui nous intéressent ici (et non pas les transitoires).

Le release, par contre, doit être réglé sur une valeur moyenne. Vous pouvez par exemple partir d’environ 200 millisecondes (ms), à ajuster en fonction de vos goûts et du son que vous recherchez, mais pas nécessairement par rapport au tempo.

A noter qu’un réglage de release trop rapide donnera un effet de compression trop évident, et présentant probablement de nombreux artefacts audio (effet de « pumping »).

Enfin, le ratio peut être réglé de façon plus variable, selon la texture que vous voulez donner à votre piste.

Typiquement, pour un son plus naturel, je vous conseille fortement de rester entre 1.5:1 et 2:1.

En effet, même si ces valeurs sont faibles, le signal sera dans tous les cas très compressé puisque vous utilisez un threshold très bas.

Autrement, des ratios plus élevés auront un rendu plus agressif, ce qui peut être intéressant mais est bien plus difficile à contrôler.

Enfin, une fois ces réglages effectués, il ne reste plus qu’à remixer subtilement la piste. D’une façon générale, celle-ci aura toujours un niveau inférieur au niveau de la piste d’origine. L’idée est que la piste compressée vienne soutenir la piste brute, et non pas l’inverse.

Un exemple sonore

L’effet de la compression parallèle étant très facile à entendre, j’ai pensé intégrer à cet article un rapide exemple audio pour illustrer ce qu’il est possible de faire.

J’ai pour cela utilisé un sample de beat électronique (licence CC BY 3.0 day_tripper13).

J’ai ensuite dupliqué la piste pour appliquer la compression parallèle. Pour ce faire, j’ai employé le compresseur de base intégré à mon DAW (en l’occurrence, Ableton Live), et je l’ai réglé comme indiqué plus haut.

Bien entendu, la compression est évidente et pas du tout naturelle.

Comme vous pouvez l’entendre, le rythme a gagné en volume (notamment entre les transitoires) et en cohésion. La caisse claire craque un petit peu plus, et les hi-hats (charleston) sont plus marqués.

Notez aussi que la réverbe est maintenant plus marquée, ce qui aide sans doute pour l’effet de cohésion et de structuration du mix.

On obtient donc un son plus percutant, plus fort, mais toujours suffisamment dynamique.

Pour aller plus loin

Tout d’abord, je me permets une mise en garde : la compression parallèle est très efficace mais a quelque chose d’addictif. Aussi, faites attention à ne pas l’utiliser « par défaut » sur vos mixages sans vous être posé la question « est-ce que j’en ai vraiment besoin ? ».

Par contre, je ne peux que vous inviter à expérimenter avec les compresseurs. En effet, il en existe de nombreux types, et chacun apportera un caractère sonore différent.

En particulier, je vous conseille de tester des compresseur vintages type 1176, très colorés, ou bien quelques uns des plugins de compression de cette liste.

DuBon