Un portfolio professionnel est un outil essentiel pour tout artiste chanteur cherchant à présenter son talent de manière captivante et professionnelle. Cet ensemble organisé de démos, de vidéos, de photos et d’informations biographiques joue un rôle crucial dans la création d’une impression positive auprès des producteurs, des agents et des fans potentiels. Voici un guide détaillé sur la création d’un portfolio professionnel percutant.

1. Commencez par un Site Web Professionnel

a. Choisissez un Nom de Domaine Pertinent

Optez pour un nom de domaine qui reflète votre identité artistique. Idéalement, utilisez votre nom d’artiste pour renforcer votre marque.

b. Design Épuré et Convivial

Optez pour un design simple et intuitif. Assurez-vous que les visiteurs peuvent facilement trouver les sections clés telles que les démos, les vidéos, et la biographie.

c. Intégrez des Outils de Médias Sociaux

Incluez des liens vers vos profils de médias sociaux pour élargir votre présence en ligne. Cela offre également une occasion d’engager votre audience.

2. Incluez des Démos de Haute Qualité

a. Choisissez Vos Meilleurs Morceaux

Sélectionnez judicieusement les chansons qui représentent le mieux votre style. Mettez en avant la variété de vos compétences vocales et musicales.

b. Enregistrements Professionnels

Assurez-vous que vos démos sont de qualité professionnelle. Un son net et bien produit renforce la crédibilité de votre travail.

c. Informations Pertinentes

Accompagnez chaque démo d’informations pertinentes, comme les crédits de production, les paroles et les influences artistiques.

3. Intégrez des Vidéos de Performances Live

a. Sélectionnez des Performances Engageantes

Choisissez des vidéos qui captent l’énergie de vos performances live. Cela donne aux visiteurs une idée de votre présence scénique.

b. Qualité Visuelle et Audio

Veillez à ce que la qualité de la vidéo et du son soit optimale. Des performances bien enregistrées et filmées témoignent de votre professionnalisme.

c. Ajoutez des Commentaires et des Anecdotes

Incorporez des commentaires sur les performances ou partagez des anecdotes pour créer une connexion personnelle avec le public.

4. Créez une Biographie Convaincante

a. Histoire Personnelle et Artistique

Partagez votre parcours artistique et personnel de manière authentique. Mettez en lumière ce qui vous rend unique.

b. Mettez en Avant Vos Réalisations

Incluez des faits marquants de votre carrière, tels que des collaborations, des prix, ou des moments forts de vos performances.

c. Contact et Réseaux Sociaux

Facilitez la communication en incluant vos coordonnées professionnelles et des liens vers vos profils de médias sociaux.

5. Galerie de Photos Professionnelles

a. Séance Photo de Qualité

Investissez dans une séance photo professionnelle pour obtenir des images de haute qualité. Des photos professionnelles renforcent l’image de marque.

b. Variété de Photos

Incluez une variété de photos, des portraits aux clichés de scène, pour montrer différentes facettes de votre personnalité artistique.

c. Légendes Informatives

Ajoutez des légendes qui racontent une histoire ou décrivent le contexte de chaque photo.

6. Témoignages et Références

a. Incluez des Témoignages de Collaborateurs

Si vous avez travaillé avec d’autres artistes ou professionnels de l’industrie, demandez-leur de fournir des témoignages.

b. Références de Performances Live

Si vous avez participé à des événements notables, incluez des références de ceux-ci pour renforcer votre crédibilité.

7. Mettez à Jour Régulièrement

a. Nouvelles Musicales et Performances

Maintenez votre portfolio à jour avec vos dernières créations, performances, et actualités artistiques.

b. Actualisez les Informations de Contact

Assurez-vous que vos coordonnées sont toujours à jour pour faciliter la prise de contact.

8. Contact Facile et Professionnel

a. Formulaire de Contact

Intégrez un formulaire de contact sur votre site web pour faciliter les communications. Veillez à ce que cela soit simple et professionnel.

b. Coordonnées Professionnelles

Incluez également des coordonnées professionnelles pour ceux qui préfèrent une communication directe.

En suivant ces étapes, un artiste chanteur peut créer un portfolio professionnel impressionnant qui non seulement reflète son talent, mais aussi sa personnalité artistique unique. Un portfolio bien conçu peut être la clé pour attirer l’attention des producteurs, des agents et du public, ouvrant ainsi la voie à une carrière musicale florissante.

DuBon

La quête pour trouver un producteur qui soutiendra financièrement la carrière d’un artiste chanteur est souvent aussi exigeante que la création musicale elle-même. Cependant, avec des stratégies bien définies et une approche méthodique, les chances de succès peuvent être considérablement améliorées. Voici un guide détaillé sur les stratégies et secrets que tout artiste chanteur devrait envisager dans sa recherche du partenaire idéal.

1. Affinez Votre Art et Identifiez Votre Style Unique

Avant de plonger dans la recherche d’un producteur, il est impératif de développer un son distinctif et une identité artistique. Un artiste chanteur doit savoir ce qui le rend unique et mémorable. Un style défini facilitera non seulement la recherche d’un producteur adapté, mais suscitera également l’intérêt de l’industrie.

2. Créez un Portfolio Professionnel

Construisez un portfolio complet qui met en avant vos compétences vocales et artistiques. Incluez des enregistrements de qualité, des vidéos de performances live, des photos professionnelles et une biographie engageante. Ce portfolio sera votre carte de visite lors de la présentation à des producteurs potentiels.

3. Utilisez les Plateformes en Ligne à Votre Avantage

Exploitez les plateformes en ligne telles que SoundCloud, YouTube, et les réseaux sociaux pour partager votre musique. Ces canaux peuvent attirer l’attention des producteurs qui recherchent de nouveaux talents. Soyez actif, engagez votre audience, et montrez la diversité de votre travail.

4. Recherchez des Producteurs Correspondant à Votre Style

Conduisez une recherche approfondie sur les producteurs qui ont travaillé avec des artistes similaires dans votre genre musical. Cherchez des producteurs dont la vision artistique coïncide avec la vôtre. Cela garantit une collaboration harmonieuse et augmente les chances de succès.

5. Participez à des Événements de l’Industrie Musicale

Les événements de l’industrie musicale offrent d’innombrables opportunités de réseautage. Assistez à des salons, des conférences, et des showcases où vous pourriez rencontrer des producteurs. Créez des connexions authentiques avec d’autres artistes et professionnels de l’industrie.

6. Collaborez avec d’Autres Artistes et Producteurs Indépendants

La collaboration avec d’autres artistes peut ouvrir des portes inattendues. Travaillez avec des producteurs indépendants et construisez des relations. Ces collaborations peuvent non seulement améliorer votre musique, mais également vous introduire dans des cercles professionnels plus vastes.

7. Créez un Dossier Professionnel et Convaincant

Lorsque vous contactez des producteurs, assurez-vous d’avoir un dossier professionnel soigneusement préparé. Incluez une lettre d’introduction persuasive, votre portfolio, des témoignages le cas échéant, et expliquez clairement comment leur soutien financier bénéficiera à votre carrière.

8. Engagez un Manager ou un Agent Artistique

Un manager ou un agent artistique peut être un atout précieux dans votre recherche. Ces professionnels ont souvent des connexions établies dans l’industrie et peuvent ouvrir des portes que vous pourriez avoir du mal à atteindre seul.

9. Soyez Ouvert aux Retours et à l’Adaptation

Soignez votre réputation en tant qu’artiste réceptif et adaptable. Soyez ouvert aux retours constructifs des producteurs que vous rencontrez. Cela peut renforcer votre crédibilité et indiquer votre engagement envers le succès mutuel.

10. Soyez Persévérant et Patient

La recherche d’un producteur peut être un processus long. Restez persévérant et patient face aux éventuels défis. Chaque refus est une opportunité d’apprentissage, et la persévérance est souvent la clé du succès à long terme.

En conclusion, la recherche d’un producteur pour financer votre carrière musicale nécessite une combinaison de talent, de stratégie, et de résilience. En suivant ces stratégies, les artistes chanteurs peuvent maximiser leurs chances de trouver le partenaire idéal pour les accompagner dans leur parcours musical.

DuBon

YouTube devient plus important que jamais auparavant et cela vient avec plusieurs belles occasions. Des milliards de spectateurs attendent d’être divertis par vos vidéos!   

Mais comment pouvez-vous faire grandir votre chaîne YouTube lorsque vous devez rivaliser avec des centaines d’heures de vidéo publiées toutes les minutes?

Voici un petit secret: la plupart de ces vidéos sont HORRIBLES. Si vous pouvez créer du contenu selon les règles d’or de cette liste, vos vidéos vont facilement se démarquer des autres. Voici ce que les spectateurs recherchent lorsqu’ils vont sur YouTube en 2021!

Soyez cohérent

C’est la règle #1 du succès sur YouTube. Si vous faites des vidéos humoristiques, les gens vont revenir pour PLUS de vidéos humoristiques. Si vous évaluez des produits, les gens reviendront pour voir plus d’évaluations de produits.

Cela peut sembler évident, mais plusieurs personnes ne font pas cette connexion. 

La cohérence aide à construire votre IMAGE DE MARQUE.

La cohérence peut être influencée par votre voix, personnalité, la façon dont la vidéo est éditée ou structurée.

Il est possible que vous ne sachiez pas sur quoi vous devez miser lors des débuts de votre chaîne, mais vous pouvez le savoir en écoutant ce que vos spectateurs ont à dire: ils vous diront ce qu’ils aiment à propos de vos vidéos, afin que vous puissiez continuer à répondre à leurs besoins.

Commencez avec éclat

Personne n’a le temps de regarder de longues introductions de vidéo. Si vous n’avez pas accroché les spectateurs dans les 10 premières secondes, ils partiront. 

En 2021, les gens prendront encore moins de temps pour décider si une vidéo vaut la peine d’être regardée puisque le niveau d’attention est en déclin. De 2000 à 2020, la capacité d’attention des humains a baissé de 12 secondes à 8. C’est une chute assez importante.

Cela signifie que vous avez un maximum de 10 secondes pour convaincre un spectateur que votre vidéo vaut la peine d’être visionnée. Mais comment pouvez-vous accrocher les gens en seulement 10 secondes?

Il y a plusieurs façons d’y arriver, mais la plus simple est de montrer à la personne un aperçu de la valeur qu’ils auront en regardant votre vidéo. Cela leur donnera une raison d’en voir davantage.

Si vous faites des vidéos éducatives, vous devriez dire au spectateur comment l’information proposée lui sera bénéfique. Si vous faites des vidéos d’évaluation de produits, vous pourriez montrer le produit et un soupçon de votre critique.

Si vous faites des vidéos divertissantes, vous devriez commencer par un extrait particulièrement amusant comme introduction. Jetez un oeil à la vidéo All Gas No Brakes leads into his 8-minute video on bigfoot hunting. En seulement 10 secondes, cette personne arrive à convaincre efficacement ses spectateurs que cette vidéo sera à la fois étrange et folle. S’il avait commencé sa vidéo avec une introduction de lui marchant dans la forêt et parlant directement à la caméra à propos d’observations du bigfoot, il n’aurait probablement pas été près d’avoir les 1,9 million de vues obtenues. 

Soyez dynamique

Commencer avec éclat est vital pour attirer l’attention de votre auditoire. Maintenant, vous devez réussir à garder leur attention tout au long de la vidéo. Comment pouvez-vous y arriver?

Vous devez être dynamique. Cela signifie que vous devez changer ce que votre spectateur voit ou prête attention assez souvent. Les producteurs de films et de télévision le comprennent très bien. Si vous regardez une série télé, vous remarquerez que la durée moyenne des prises n’est que de 2 ou 3 secondes. Les prises plus longues ont tendance à nous ennuyer.

Les YouTubers s’attaquent à ce problème en utilisant des prises sautées. Ces prises ne demandent pas de changement d’angle de caméra, toutefois elles accélèrent le rythme du contenu. D’autres YouTubers pigent dans des banques de vidéos pour ajouter des prises plus familières. Ceci vous permet d’avoir du nouveau contenu sans avoir à filmer quoi que ce soit.

Peu importe ce que vous décidez de faire, vous devez vous assurer d’avoir du contenu dynamique et de livrer de la valeur à vos spectateurs. Cela nous amène à notre prochain point…

Arrêtez de tergiverser

 Les YouTubers adorent tergiverser puisque cela leur permet d’avoir de plus longues vidéos et par conséquent, plus de revenus publicitaires.

Nous savons pourquoi. La tergiversation fonctionne à la télévision. Vous pouvez dire à vos spectateurs qu’ils doivent rester sur la chaîne et attendre le grand dévoilement (pensez aux émissions comme The Voice ou The Bachelor). Ils resteront.

Mais cela ne fonctionne pas sur YouTube. Les spectateurs vont essayer de consommer votre contenu rapidement et s’ils sont pris dans une publicité, ils partiront. Cela est tout particulièrement vrai pour les nouveaux arrivants. Ils sont beaucoup moins susceptibles d’attendre que vous leur livrez quelque chose.

Regardez seulement cette vidéo que j’ai trouvée lorsque je faisais de la recherche pour cet article. Ce n’est pas dynamique, cela ne commence pas avec éclat et cela prend au YouTuber un bon 2 minutes avant de commencer à livrer de l’information pertinente. Si vous vous le demandiez, je n’ai pas écouté plus loin que 2 minutes 30. Et si l’on se fie au nombre de vues, personne ne l’a fait non plus.

Ne tergiversez pas lorsque vous faites des vidéos. Donnez à vos spectateurs ce qu’ils veulent rapidement et continuez à les bombarder avec du contenu de valeur. Lorsque vous n’avez plus rien à offrir, c’est le temps de terminer la vidéo.

Les éléments clés pour créer du contenu pour YouTube en 2021

S’il y a un élément qui vous aidera à faire grandir votre chaîne YouTube en 2021, c’est de vous concentrer sur la capacité d’attention décroissante des spectateurs. L’abondance du contenu vidéo, le nombre grandissant de jeunes personnes sur YouTube et l’effet général des médias sociaux ont comme conséquence de rendre les spectateurs plus exigeants.

Pour satisfaire leurs besoins, ajoutez le plus de valeur possible dans chacune de vos vidéos et n’oubliez pas de débuter par une forte accroche. Si vous pouvez faire cela, vous vous élèverez au-dessus des créateurs médiocres et les abonnés suivront rapidement.

DuBon

Les tendances musicales ont changé tout au long des décennies, mais une chose demeure: la dualité entre la musique et le commerce. La grande majorité de la musique qui est jouée à la radio ou à la télévision est associée à des artistes signés en maisons de disques appelées « majors » telles qu’Universal Music, Sony Music ou Warner Music. Même si ces sociétés opèrent dans le domaine de la musique, leurs stratégies restent toujours avec une finalité de profit et à cause de cela, elles vont toujours essayer de standardiser la façon dont ils gèrent leur business, afin d’éliminer le plus possible les paramètres aléatoires.

Pour la promotion d’une nouvelle chanson, les maisons de disques ont généralement besoin d’obtenir le plus de partenariats médias possible. Une chanson pop qui dispose d’un soutien télé ou radio va statistiquement générer plus de ventes que celui qui n’en a pas. En outre, ces médias ont des contraintes, notamment en termes d’audimat. Par exemple, une station radio a constamment besoin d’augmenter son taux d’audience ou du moins ne pas perdre son nombre moyen d’auditeurs, toujours pour des raisons de profit. Ainsi, les stations radios généralistes doivent jouer de la musique « tendance » ou du moins de la musique qui pourrait le devenir selon eux. Par conséquent, ils auront également tendance à vouloir réduire leurs risques, d’éliminer les paramètres aléatoires autant que possible et ainsi jouer de la musique généraliste (standardisée).

La conséquence de tout ce système est que les majors du disque et les grands médias demandent souvent directement ou indirectement les auteurs-compositeurs d’écrire des chansons qui respectent un certain format. Encore une fois, ce qui importe pour ces sociétés, c’est le profit grâce aux ventes (pour les labels) ou à leur audimat (pour les médias). Par conséquent, ils sont tous à la recherche du « Saint Graal » musical qui est généralement appelé “hit single”.
Beaucoup de musiciens, compositeurs n’aiment pas qu’on leur impose comment faire de la musique alors ils décident de rester loin de tout ce système. Cependant, d’autres compositeurs acceptent de faire des concessions, acceptent de faire partie de ce réseau global et de produire des chansons d’une manière formatée, mais pour potentiellement faire beaucoup d’argent.
Comment un hit single est-il structuré? Comment produire une chanson à succès qui peut potentiellement faire signer un artiste en major ou lui obtenir une diffusion en radio?

Travaillant depuis de nombreuses années avec des maisons de disques comme producteurs musicaux, nous allons vous révéler 3 choses importantes auxquelles vous devez penser quand vous avez l’intention de produire un “hit single”:

1. Structure d’un hit single

Pour certains d’entre vous, cela peut sembler évident, mais après nos nombreuses années dans le milieu, nous avons rencontré plusieurs compositeurs qui se demandaient pourquoi leur chanson n’était pas jouée en radio. En fait, leur chanson avait tout simplement une structure trop complexe.
Si vous analysez attentivement la structure de la plupart des chansons à succès, vous remarquerez qu’une structure commune apparaît la plupart du temps. Évidemment, vous êtes libre de choisir votre propre structure, mais si vous souhaitez vous rapprocher d’un hit, il est important de respecter ce point.

Voici la structure la plus commune que vous devez suivre:

– INTRODUCTION: elle doit annoncer l’ambiance de la chanson. La plupart du temps, elle peut durer de 2, 4 ou 8 temps.

– COUPLETS: chaque couplet racontera l’histoire de la chanson. Il peut y avoir un couplet ou deux avant le premier refrain. Ne pas changer beaucoup la mélodie entre chacun d’eux, sinon, les auditeurs vont se perdre avec trop d’informations.
Par contre, il ne faut pas inclure plus de 4 couplets en général. Après le premier refrain, vous pouvez placer un ou deux couplets en plus. La longueur doit être entre 8 et 16 temps.
– REFRAIN: c’est la partie la plus importante de la chanson parce qu’il faut que les gens s’en rappellent (c’est ce qui est la force des hits singles). Un bon refrain contient une bonne accroche. Le refrain peut durer entre 8 et 16 temps. Nous rentrerons dans les détails plus tard.
– PRE-REFRAIN (« bridge » pour les anglo-saxons): cette partie est facultative. Il doit être placé entre le couplet et le refrain pour lier les deux parties ensemble. Personnellement, nous aimons ajouter un pont quand nous ne sommes pas totalement satisfaits par la transition entre un couplet et un refrain. Et c’est une bonne façon d’apporter un petit changement dans l’humeur de la chanson et d’apporter un peu plus de richesse dans une composition.
– PONT (« middle eight » pour les anglo-saxons): cette partie est facultative aussi mais nous vous conseillons de ne pas la négliger. Le middle eight peut être très utile. Il est généralement placé après le deuxième refrain afin de donner une pause dans la configuration de la chanson ou pour « casser » une éventuelle monotonie dans votre composition. Une des meilleures raisons de l’utiliser, c’est qu’il mettra en valeur l’arrivée du dernier refrain, qui devrait être le sommet de la chanson.
– CONCLUSION: vous pouvez soit répéter en continu le dernier refrain avec un fade out (fondu de fin) ou vous pouvez apporter quelques notes en extra en fonction de votre sensibilité. Très souvent, nous allons choisir de finir nos chansons par son thème le plus important (séquence musicale principale dans la chanson).

2. Progressions d’accords populaires et « accroches » (« hooks » en anglais)
2.1. Utilisez des progressions d’accords populaires:

Certaines progressions d’accords créent naturellement une réponse émotionnelle à la plupart d’entre nous. Si vous observez attentivement les progressions d’accords des chansons les plus populaires dans l’histoire, vous serez surpris de voir qu’elles sont toutes basées sur une poignée de progressions d’accords.

– Un bon exemple est la progression d’accords IV-VIm-IV (CG Am F) (par exemple, «Someone Like You» d’Adele, «Time After Time» de Cindy Lauper). Nous vous invitons à écouter les chansons qui sont jouées sur les radios grand public en ce moment et nous parions que vous trouverez souvent ces progressions d’accords.
– Vous trouverez également la variation commune de la progression précédente : vi-IV-IV. (Par exemple: «Grenade» de Bruno Mars, «All Of Me» de John Legend).
– Une autre progression d’accords populaire est : I-vi-IV-V de 50 (par exemple: «Royals» par Lorde, «Stand By Me» de Ben E. King …).

Cependant, vous pourriez vous demander pourquoi inclure ces accords qui ont déjà été utilisées à plusieurs reprises. La réponse est très simple: si ces accords ont souvent été utilisés, c’est tout simplement parce qu’ils fonctionnent. Si notre objectif est ici de produire un hit, alors vous devez absolument utiliser ces progressions. Bien sûr, le défi sera de faire sonner votre chanson de façon différente par rapport aux autres chansons déjà connues.

En tant que compositeur, vous pouvez décider d’utiliser ces progressions ou pas. Selon nous, si vous croyez que vos paroles vont être «riches» ou même assez « lourdes », ces progressions d’accords aideront en apportant un certain équilibre dans votre chanson et ainsi la rendre plus facile d’écoute, plus «efficace».

Si vous avez encore des doutes, rassurez-vous car vous pourrez toujours exprimer toute votre créativité et votre talent avec ces progressions. Les accords que vous choisirez ont des possibilités illimitées de mélodies autour d’eux. Vous pouvez choisir votre propre rythme, créer un arrangement spécial ou même ajouter des extensions d’accords telles que les 7èmes, 9èmes, sus, 11èmes et 13èmes. Tout cela peut amener votre créativité à un autre niveau, et rendre vos compositions encore plus intéressantes.

2.2. Trouver un refrain accrocheur (« catchy hook » en anglais):
* Accroche dans la mélodie vocale (« vocal hook »):
Comme nous l’avons dit, la partie composition est très importante pour faire un hit single, mais une mauvaise mélodie vocale peut ruiner votre travail. Ainsi, afin d’atteindre votre objectif global, vous aurez besoin de trouver une mélodie vocale qui va rester dans l’esprit des auditeurs dès la première écoute de la chanson. Par conséquent, cette accroche doit être simple, claire et assez répétitive (sans être ennuyeuse). Si vous suivez ces conseils, vous aurez plus de chance que votre mélodie reste dans l’esprit de la plupart des auditeurs. Et si vos auditeurs chantent quelques parties de votre chanson après la première écoute, c’est que vous avez fait un excellent travail!

* Accroche Instrumentale (« instrumental hook »):
Dans la partie instrumentale, on peut faire une accroche basée sur un rythme, une accroche répétée dans l’intro de la chanson (par exemple, “Moves Like Jagger” de Maroon 5) ou une accroche gimmick réalisée par un instrument.

* Accroche lyrique (« lyrical hook »):
L’un des paramètres les plus importants lorsque vous avez l’intention de produire un hit single est les paroles. Il est bien évident que des paroles compliquées ne seront pas efficaces aux oreilles de vos auditeurs et votre musique ne résonnera pas au fond d’eux. Par conséquent, essayez d’écrire des paroles accrocheuses dans le refrain.

En fait, à tout moment, lorsque nous travaillons sur une chanson, nous allons toujours chercher une accroche. Même quand nous composons des beats et instrumentales pour Beats Avenue, nous enregistrons toujours une accroche vocale dans le processus de composition. Nous savons que nous avons un hit potentiel si nous pouvons chanter une mélodie efficace et claire sur la musique.

Les accroches sont très importantes, mais une fois que vous les avez, vous devez travailler à trouver des accords appropriés ainsi que des arrangements musicaux adéquats.

3. Qualité de la production musicale

Le choix de progressions d’accords populaires est important, mais cela n’est pas suffisant pour produire un hit. En effet, la partie production musicale est cruciale.
Avant de composer un quelconque beat/instrumentale, que ce soit dans un genre Dance, un beat hip-hop, un beat latino ou une instrumentale pop, vous devez réfléchir aux types d’instruments que vous allez inclure dans chaque production en fonction du genre de musique spécifique sur lequel vous travaillez.

Dans n’importe quelle chanson populaire que vous entendez à la radio, vous remarquerez que les instruments n’apparaissent pas tous ensemble au début de la chanson. En fait, les auditeurs doivent sentir une évolution. Par conséquent, vous devez essayer de faire en sorte que votre arrangement soit aussi «léger» que possible, le laisser respirer, surtout au début de la chanson. Si vous placez tous les instruments au début, alors vous ne laisserez aucune place à l’évolution dans votre chanson.

Par exemple, vous pouvez faire un premier couplet avec très peu d’instruments, puis commencer à ajouter un autre instrument dans la partie suivante. Aussi, en général, le refrain sera le moment où vous pourrez ajouter d’autres instruments pour apporter plus de dynamisme et pour souligner le changement.

Illustrons ceci en analysant le beat Pop « Sparkle In Your Eyes » que nous avons produit pour Beats Avenue (www.beatsavenue.com). Pour ce beat Pop/R&B, nous avons décidé de commencer avec un seul instrument: le piano. Après une mesure, nous avons ajouté des parties rythmiques et à la mesure suivante, nous avons ajouté la basse, donnant plus de corps à l’instrumentale et un léger son synthétique. Lorsque l’on arrive au refrain, on peut sentir une plus grande présence des synthétiseurs. Nous avons également fait en sorte que le son des drums sonne plus lourd. Puis, au début du couplet suivant, nous avons choisi de revenir à nouveau à une ambiance douce et à suivre une progression croissante.

Voici un autre exemple. Pour l’instrumentale Pop « Unreachable » que nous avons produit pour Beats Avenue, nous avons décidé d’introduire les drums seulement après le premier refrain.

La musique commence avec une guitare jouant un accord complet et un léger pad vient en soutien, apportant des harmonies supplémentaires. Puis, quelques cordes apparaissent, donnant plus de présence à la musique. Dans le refrain, nous avons finalement ajouté la basse, et la guitare est jouée avec un pattern rythmique plus dynamique afin d’apporter plus d’énergie dans la musique. Dans la dernière partie du refrain, des synthétiseurs apparaissent, contribuant à nouveau à cet effet de «croissance». Enfin, les drums arrivent dans le couplet juste après le refrain, donnant un sentiment plus fort et déterminé à l’instrumentale.

Pont ou « Middle eight »
Un autre aspect commun dans l’évolution d’une chanson est le « middle eight » menant au refrain final. Vous remarquerez souvent qu’après le deuxième refrain d’une chanson, un middle eight apparaît. Un de ses principaux rôles est de casser la monotonie et d’apporter un sentiment de calme avant l’apogée de la chanson au dernier refrain. En fait, l’idée est de placer un petit nombre d’instruments pour faire respirer la chanson à cet endroit. Ensuite, vous pouvez rajouter tous vos instruments dans le dernier refrain pour faire un contraste. Une fois de plus si votre pont était déjà rempli d’instruments, vous ne serez pas capable de sentir la force du dernier refrain.

Si, au contraire, vous décidez que votre pont doit être puissant et croissant, alors vous pouvez ajouter d’autres instruments à cette partie pendant plusieurs temps, mais juste avant le dernier refrain, essayez de rendre l’arrangement à nouveau léger, faites le respirer, et ensuite faites exploser le dernier refrain. Par exemple, vous pouvez simplement faire un break brutal de la rythmique ou pourquoi pas un break de tous les instruments…
Sur Beats Avenue, si vous écoutez tous les beats Pop à vendre, tous les beats Hip Hop en lease (beats Dirty South, beats West Coast…), beats Bachata, beats Reggaeton, instrumentales R & B etc., vous remarquerez toutes ces structures.

Pour conclure, en dépit de tout ce que nous avons dit plus dans cet article, parfois une bonne composition, de bonnes idées d’arrangement et des paroles accrocheuses ne sont pas suffisantes pour votre chanson soit diffusée à la radio. En effet, de nos jours, une production de grande qualité est obligatoire. Vous ne pouvez pas être totalement satisfait d’une chanson si la qualité de votre production musicale n’est pas au niveau attendu par les standards d’aujourd’hui. Il s’agit là d’un aspect plus technique que nous pourrons développer à un autre moment. En outre, vous devez choisir un bon ingénieur du son. La qualité de mix est très importante et cela va propulser votre chanson à un niveau supérieur ou non.
C’est aussi la raison pour laquelle nous proposons nos beats et instrumentales en leasing, de sorte que de nombreux artistes puissent avoir la possibilité d’utiliser nos productions et bénéficier de notre expérience à des prix abordables. Et Beats Avenue est certainement l’un des meilleurs endroits pour acheter des beats et instrumentales avec son large catalogue. Nous proposons également des beats et instrumentales exclusives et personnalisées.

Enfin, n’oubliez jamais que vous devez toujours aimer la musique que vous produisez; chaque compositeur a cela en commun. Et même si vous ne réussissez pas au début, le travail paiera et un jour vous aurez votre chanson dans les charts…

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DuBon