Introduction : La musique est une force universelle, capable de transcender les barrières culturelles et linguistiques pour toucher les cœurs et les esprits. Au-delà de son pouvoir d’éveiller des émotions intenses et de créer des souvenirs durables, la musique a également un impact significatif sur la santé mentale. Dans cet article, nous explorerons en profondeur les divers aspects de cet impact, des effets thérapeutiques de la musique à son rôle dans la gestion du stress et des troubles mentaux.

1. La Musique comme Outil Thérapeutique : La musique a longtemps été utilisée comme un outil thérapeutique pour traiter une gamme variée de problèmes de santé mentale. Des études ont montré que l’écoute de musique peut réduire l’anxiété, atténuer les symptômes de la dépression et améliorer l’humeur. La musique peut agir comme une forme d’expression émotionnelle, permettant aux individus de canaliser leurs sentiments et de trouver du réconfort dans les moments difficiles.
2. Effets Neurologiques de la Musique : Sur le plan neurologique, la musique a un impact profond sur le cerveau humain. Des recherches ont révélé que l’écoute de musique active plusieurs régions du cerveau associées à l’émotion, à la mémoire et à la récompense. La musique peut stimuler la libération de neurotransmetteurs tels que la dopamine, qui est associée au plaisir et à la motivation, ainsi que la sérotonine, qui régule l’humeur.
3. Gestion du Stress et de l’Anxiété : L’une des applications les plus courantes de la musique dans le domaine de la santé mentale est la gestion du stress et de l’anxiété. Des études ont montré que l’écoute de musique relaxante, telle que la musique classique ou la musique naturelle, peut réduire les niveaux de cortisol, l’hormone du stress, dans le corps. De plus, la musique peut servir de distraction efficace pour détourner l’attention des pensées anxieuses et apaiser l’esprit.
4. Musicothérapie et Soins de Santé Mentale : La musicothérapie est une forme de traitement qui utilise la musique comme moyen de communication et d’expression émotionnelle. Les musicothérapeutes travaillent avec des individus de tous âges et de tous horizons pour atteindre des objectifs thérapeutiques, tels que l’amélioration de la communication, la gestion du stress et le renforcement de l’estime de soi. La musicothérapie est utilisée dans une variété de paramètres, y compris les hôpitaux, les écoles, les centres de réadaptation et les cliniques de santé mentale.
5. Utilisation de la Musique dans le Traitement des Troubles Mentaux : En plus de ses bienfaits pour la santé mentale générale, la musique est également utilisée comme complément de traitement pour un certain nombre de troubles mentaux. Par exemple, la musicothérapie a montré des résultats prometteurs dans le traitement de la maladie d’Alzheimer et d’autres formes de démence, en aidant à stimuler la mémoire et à améliorer la qualité de vie des patients. De plus, la musique est utilisée dans le traitement de la schizophrénie, du trouble de stress post-traumatique (TSPT) et d’autres troubles de l’humeur.

Conclusion : En conclusion, la musique exerce un pouvoir extraordinaire sur la santé mentale, offrant un moyen de guérison et de soulagement pour ceux qui souffrent de troubles émotionnels. Que ce soit en tant qu’outil thérapeutique, moyen de gestion du stress ou complément de traitement pour les troubles mentaux, la musique continue de jouer un rôle essentiel dans le bien-être mental et émotionnel de millions de personnes à travers le monde.

DuBon

Le mixage de la voix lead est une étape cruciale dans la création d’une production musicale réussie. Dans FL Studio, l’utilisation de plugins spécifiques et des techniques de mixage appropriées peuvent grandement améliorer la qualité sonore de la voix lead. Suivez ce guide complet pour apprendre à mener à bien ce processus dans FL Studio.

Étape 1 : Préparation de la Voix

Avant de plonger dans le mixage, assurez-vous que votre enregistrement vocal est de haute qualité. Utilisez un bon microphone, traitez acoustiquement l’environnement d’enregistrement, et effectuez des éditions nécessaires pour éliminer les bruits indésirables et ajuster le timing.

Étape 2 : Édition de la Voix

Utilisez l’éditeur de votre choix pour effectuer des ajustements tels que le nettoyage des silences indésirables, l’alignement du timing et l’élimination des souffles excessifs.

Étape 3 : Égalisation (EQ)

Utilisez un égaliseur pour sculpter le son de la voix. Fruity Parametric EQ 2 (EQ2), inclus dans FL Studio, est un choix puissant. Coupez les basses fréquences indésirables, accentuez les fréquences médiums pour la clarté, et ajoutez une brillance légère en boostant les hautes fréquences.

Étape 4 : Compression

Régulez la dynamique de la voix en ajoutant un compresseur. Utilisez le Fruity Limiter inclus dans FL Studio ou des plugins externes tels que Waves CLA-2A pour maintenir un niveau de volume constant et améliorer la présence.

Étape 5 : Effets de Réverbération et de Délai

Ajoutez de la profondeur à la voix avec des effets de réverbération comme Fruity Reeverb 2. Intégrez également des effets de délai, par exemple, Fruity Delay 3, pour créer un écho subtil et donner une ambiance spacieuse.

Étape 6 : Édition de la Dynamique (Ducking, Automation)

Pour assurer la clarté dans le mix, utilisez des techniques d’édition de la dynamique telles que le ducking. Automatisez certains paramètres, comme le niveau de réverbération, pour ajouter de l’expressivité à la voix au fil du morceau.

Étape 7 : Édition Finale et Export

Effectuez une écoute attentive du mix, ajustez si nécessaire, et assurez-vous que la voix s’intègre harmonieusement dans l’ensemble du morceau. Exportez ensuite le mix final.

Conseils Supplémentaires :

• Soyez Subtil : Des ajustements subtils peuvent avoir un impact significatif.
• Utilisez des Sends et Returns : Pour les effets tels que la réverbération, utilisez des canaux d’envoi pour plus de contrôle.

Chaque piste vocale est unique, alors expérimentez avec ces étapes et adaptez-les en fonction des besoins spécifiques de votre enregistrement. Le mixage de la voix lead dans FL Studio devient un art lorsque vous maîtrisez ces techniques et les ajustez en fonction du style musical et de l’émotion que vous souhaitez transmettre.

DuBon

Le mastering audio est la phase finale cruciale dans le processus de production musicale, visant à polir et à perfectionner le mix final. Cubase Pro 12, une puissante station de travail audio numérique (DAW), offre un ensemble d’outils sophistiqués pour mener à bien cette étape avec précision. Dans cet article, nous explorerons étape par étape le processus de mastering dans Cubase Pro 12.

Étape 1 : Importation du Mix

Avant de commencer le processus de mastering, assurez-vous d’avoir importé votre mix final dans Cubase Pro 12. Ouvrez un nouveau projet ou chargez votre projet existant, puis importez votre mix dans la piste de montage.

Étape 2 : Ajout des Plugins de Traitement Audio

Égalisation (EQ)

Commencez par ajouter un plugin d’égalisation à votre piste de montage. Utilisez l’EQ pour ajuster la balance tonale du mix en éliminant les fréquences indésirables et en accentuant les zones nécessitant une amélioration.

Compression

Intégrez un compresseur pour égaliser la dynamique du mix. Contrôlez les pics et les creux afin d’obtenir une plage dynamique plus cohérente et équilibrée.

Limitation

Ajoutez un limiteur pour contrôler le niveau global du mix. Configurez le limiteur de manière à maximiser le volume sans introduire de distorsion indésirable.

Stéréo Widening (Élargissement Stéréo)

Si nécessaire, utilisez des plugins pour ajuster la largeur stéréo du mix. Cela peut contribuer à créer une expérience sonore plus immersive.

Étape 3 : Travail dans l’Éditeur Audio de Montage

Ouvrez l’éditeur audio de montage en bas de l’écran Cubase. Utilisez cet outil puissant pour organiser et ajuster les différentes parties de votre projet de mastering. Ajoutez des marqueurs pour identifier les sections du morceau, comme les intro, couplets, refrains, etc.

Étape 4 : Exportation du Projet Masterisé

Configurez les paramètres d’exportation dans Cubase en choisissant le format de fichier, la résolution, la fréquence d’échantillonnage, etc. Exportez ensuite le projet masterisé vers un fichier audio final.

Conseils Additionnels

• Écoutez sur Différents Systèmes : Pour garantir la qualité sonore sur une variété de sources, écoutez attentivement votre master sur différents systèmes audio.
• Collaboration avec un Ingénieur du Son : Si le mastering reste un défi, envisagez de collaborer avec un ingénieur du son spécialisé dans le mastering pour obtenir les meilleurs résultats possibles.

En conclusion, Cubase Pro 12 offre une plateforme puissante et complète pour le mastering audio. En suivant ces étapes, vous pourrez affiner votre mix final, lui donnant la qualité et la clarté nécessaires pour briller sur toutes les plateformes. Maîtrisez l’art du mastering et offrez à votre musique la finition qu’elle mérite.

DuBon

Un égaliseur graphique, plus communément connu sous l’acronyme EQ est utilisé pour modifier la réponse en fréquence ou en d’autres termes le ton d’un son, d’une chanson ou d’un instrument. Il peut être utilisé pour donner plus de basses, moins de graves, plus d’aigus, etc.

1- Réglez toutes les bandes d’égalisation sur 0 ou au milieu. Cela fera que le son sortira des hautparleurs sans aucun effet additionnel.

2- Écoutez vos fichiers audios via le haut-parleur afin de déterminer si une modification est nécessaire.

3- Souvenez-vous que le côté gauche de l’appareil commence généralement à environ 20 K, il s’agit du côté le plus faible, celui des basses, alors que le droit termine généralement à environ 16 K de puissance, c’est le côté des aigus… Le milieu est compris entre 400 et 1,6 K.

4- Réglez l’égaliseur en conséquence une fois que vous arrivez à ce niveau.

5- Réglez le volume au niveau souhaité lorsque l’égaliseur est à l’endroit où vous voulez qu’il soit.

conclusion:

• Ne modifiez pas trop. L’égaliseur peut compenser les défauts de votre système, mais n’oubliez pas que des professionnels, sous la coupe des artistes, ont mis à niveau le son avant de commencer l’enregistrement. Tout cela bien qu’il existe des différences entre tous les hautparleurs et que deux hautparleurs similaires peuvent, selon leur emplacement ; créer un son différent. Ainsi, l’une des principales fonctions d’un égaliseur est de réagir et de s’adapter à la réponse en fréquence d’un hautparleur.
• Un égaliseur graphique fournit un simple effet, mais il peut s’avérer plus compliqué à utiliser.
• De manière générale les basses doivent être minimalement ajoutées ou réduites, alors que modifier les aigus pourrait créer un son moins « limpide ». Une fois que vous avez la quantité de basses, à votre gout et selon la puissance de vos enceintes alors ajustez les aigus (le réglage de droite), puis si cela est nécessaire, passez au réglage de la fréquence intermédiaire.
• Vous pouvez rendre le son plus mauvais en jouant avec.

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DuBon

Sur la base des précédents chapitres de cet article, vous devriez déjà avoir une bonne vision de ce qu’est une réverbe et quelques idées sur la façon dont vous pouvez en utiliser une sur vos mixages.

Toutefois, il me semble important d’ajouter à tout cela une proposition de méthode pour vous aider à choisir la bonne réverbe et à bien la régler lorsque vous l’ajoutez sur une piste.

Voici donc ce que je vous conseille de faire…

Etape 1 : Définir une direction sonore

Avant d’ajouter un plugin de réverbe, il faut absolument se poser un certain nombre de questions, comme par exemple :

• Ai-je besoin d’une réverbe réaliste, ou pas ?
• Est-ce qu’une réverbération longue sera adaptée ? Ou au contraire faut-il quelque chose de très court qui va juste donner un peu de profondeur au son ?
• La réverbe doit-elle être subtile ou pas ? Dense, ou non ? Brillante, ou au contraire très sombre ?
• …

Pour répondre à toutes ces questions, vous allez avoir besoin de choisir la direction dans laquelle vous voulez amener votre mix.

Typiquement, si vous êtes en train de mixer un morceau de musique classique, vous n’allez probablement pas choisir une réverbe aux sonorités très modernes et très créatives. Par contre, si vous mixez un morceau de rap, vous pourrez sans doute vous permettre plus de latitude sur le choix de la réverbe.

Astuce : N’hésitez pas à vous appuyer sur des mix de référence, c’est-à-dire des morceaux d’autres artistes qui ressembleraient à ce que vous voulez faire de votre propre morceau.

Etape 2 : Choisir la réverbe

Sur la base des éléments mentionnés dans le paragraphe précédent, vous devriez pouvoir choisir assez facilement votre réverbe.

Peut-être s’agira-t-il d’un matériel hardware que vous avez dans votre studio, ou alors plutôt de plugins.

Une fois le plugin ajouté, si lorsque vous faites vos réglages vous vous rendez compte que vous n’arrivez pas à avoir le son que vous voulez, n’hésitez pas à passer à un autre plugin

En effet, chaque effet a sa propre signature sonore, et la réverbe à plaque qui marchait très bien sur votre précédent morceau devra peut-être être remplacée par une autre réverbe à plaque sur ce nouveau morceau que vous êtes en train de mixer.

Remarque : si votre réverbe semble trop dense quoi qu’il se passe, n’hésitez pas à essayer un plugin de delay à la place.

Etape 3 : Parcourez les presets

Certaines méthodes vous recommanderaient peut-être de vous plonger directement dans les réglages de votre réverbe.

Le problème, c’est que si vous débutez vous n’allez pas les maîtriser assez pour faire quelque chose de vraiment bien — et si vous êtes un peu plus expérimenté(e) vous n’aurez pas envie de perdre du temps à recréer un set de réglages à partir de zéro.

Aussi, la méthode que je vous propose ici est beaucoup plus pragmatique.

En effet, je vous conseille tout simplement de commencer par parcourir les presets de votre plugin de réverbe.

Si vous suivez Projet Home Studio depuis un certain temps, vous savez sans doute que je ne porte pas les presets dans mon cœur pour ce qui est des EQ et des compresseurs, mais pour les réverbes je trouve qu’ils ont un vrai avantage.

Parcourez-donc les presets de votre plugin, un par un, jusqu’à ce que vous trouviez celui qui sonne à peu près comme ce que vous aviez imaginé.

Dès que vous en avez trouvé un, vous pouvez passer à l’étape 4.

Etape 4 : Ajustez les réglages

Une fois que vous avez trouvé un preset qui correspond à ce dont vous aviez besoin, c’est à ce moment que vous allez pouvoir vous plonger dans les réglages.

Vous aimez ce son de réverbe à ressort, mais vous aimeriez qu’il soit un peu plus long ? Ajustez le Decay.

Vous appréciez le son de Room que produit un preset, mais lorsque vous écoutez votre mix vous avez l’impression qu’il est trop long et trop brillant ? Essayez d’ajuster les options de Size et de Damping.

La réverbe noie un peu trop le son d’origine ? Peut-être qu’un Pre-delay plus élevé pourrait aider…etc.

Etape 5 : Égalisez votre réverbe

Une fois que le son de votre plugin vous convient, je vous conseille très fortement de sortir un égaliseur pour l’ajuster.

Il faut en effet apporter une attention toute particulière aux basses et aux aigus.

Ce n’est pas parce qu’une réverbe sonne très bien lorsque vous l’écoutez seule qu’elle sonnera toujours bien lorsque vous l’intégrerez au mix complet.

Bien souvent, de l’énergie va s’accumuler dans les basses et les médiums, ce qui va rendre le mix confus et brouillon. Un filtre passe-haut devrait aider à corriger ce type de problème.

Dans la même idée, trop d’énergie dans les aigus de votre réverbe risque de la rendre trop audible, de la faire trop ressortir. Si c’est le cas, un filtre passe-bas ou high-shelf pourra sans doute vous aider à contrôler ces hautes fréquences.

Etape 6 : Ajustez le niveau de la réverbe dans le mix

Dernière étape : le niveau.

Prenez le temps de bien ajuster le niveau de votre réverbe vis-à-vis de celui des autres pistes.

Généralement, comme vous aurez positionné votre plugin de réverbe sur une piste auxiliaire (en SEND), ajuster ce niveau sera vraiment facile.

Soyez toutefois prudent(e) : bien souvent, avec la réverbe, il vaut mieux y aller assez doucement pour éviter que celle-ci noie la piste ou prenne le pas sur le reste du mix.

Si nécessaire, n’hésitez pas à faire varier le niveau de la réverbe en fonction des sections de votre morceau grâce à l’automation.

DuBon

Par défaut, si l’on a besoin de recréer une ambiance durant le mixage, on a souvent la réaction d’ajouter une réverbe.

D’ailleurs, il y en a de tous types : plate, room, hall… avec des noms plutôt équivoques. Il semble donc logique de les utiliser pour ajouter de la dimension aux enregistrements.

Par contre, le delay ou écho est lui bien souvent perçu comme un simple effet spécial, créatif, et utilisé seulement marginalement, « pour le fun ».

Pourtant, la différence entre réverbe et delay est bien moindre qu’il n’y parait. En effet, tous les deux sont très utiles pour ajouter de l’espace et augmenter l’image stéréo d’un mix.

Mais alors, quand faut-il utiliser l’un plutôt que l’autre ? Un delay peut-il vraiment remplacer une réverbe ?

C’est ce que nous allons voir… 🙂

Petite définition d’un delay…

Un delay, c’est tout simplement un écho.

Comme si vous criiez dans la montagne, et que le versant d’en face vous renvoyait votre voix après quelques secondes.

En gros, le son est reproduit à l’identique, mais de façon décalée dans le temps.

Certes, de nombreux plugins de delay permettent d’ajouter de la couleur aux répétitions grâce à des filtres ou à de la saturation, mais globalement chaque réflexion est perceptible individuellement. Autrement dit elles sont toutes différentiables les unes des autres.

Voici un exemple tout simple d’écho sur une caisse claire :

…et d’une réverbe

En quelque sorte, une réverbe est constituée d’une multitude d’échos, qui deviennent rapidement indissociables les uns des autres.

Ici, ce ne sont pas de simples répétitions qui sont simulées, mais bien des réflexions multiples qui rebondissent de mur en mur.

Le tout forme ainsi un ensemble sonore complexe qui donne l’illusion que l’enregistrement a lieu dans une pièce, un hall, une arène…

Il y a bien sûr toutes sortes de plugins de réverbe, mais d’une façon générale ils placeront tous l’instrument ou la voix que vous mixez dans un espace virtuel, au lieu de répéter simplement le son.

Dans un soucis de clarté, voici donc à nouveau un exemple de cet effet :

Utiliser un Delay au lieu d’une Réverbe ?

Malheureusement, il n’y a pas de réponse unique du style « toujours mettre une réverbe pour la voix » ou bien « il faut mettre des delays courts sur la guitare électrique ».

En effet, le choix delay/réverbe dépend notamment :

• du goût de la personne qui mixe ;
• des fréquences et des instruments présents dans le mixage ;
• du style de musique
• de la densité du mix.

La vraie question à se poser est donc plutôt :

« Que peut-on faire avec un delay ? »

Le problème de la réverbe

Dans l’absolu, on peut positionner les réverbes partout ou presque, dès que l’on souhaite donner de la dimension à ses enregistrements et plus précisément une sensation d’espace. En particulier, elles sont très pratiques pour donner l’illusion d’espaces en 3D réalistes.

Toutefois, les réverbes nous confrontent bien souvent à un problème de taille : elles prennent de la place dans le mix.

Autrement, dit, elles couvrent un spectre de fréquences large, et sont par définition plus dense que le delay car construites autour d’un ensemble de réflexions.

Réécoutez les exemples audio des paragraphes précédents.

Sur celui de la réverbe, on a l’impression d’un son beaucoup plus complexe que sur celui du delay, non ?

L’apport du delay

Le grand intérêt du delay, c’est que dans un mix chargé, il va vous permettre d’apporter de la dimension à vos enregistrements sans rendre le son confus ou brouillon. Et ce, grâce à la simplicité de son fonctionnement.

Imaginez par exemple un morceau de heavy métal, avec des guitares saturées et une batterie agressive.

Dans ce type de situation, il n’y a pas toujours la place pour une réverbe, qui va se noyer dans le son des guitares et faire perdre de la clarté au mixage.

Par contre, un écho sera peut-être une bonne alternative, car il sera plus subtil.

Sans surprise, cet effet est d’ailleurs particulièrement efficace sur les voix rock et rap/hip-hop…

Ce qu’on peut faire avec un delay

Option 1 : le Slapback Delay

Il s’agit d’un écho très court, réglé en général entre 30 et 100 ms (millisecondes), et utilisé la plupart du temps sur des voix.

Une seule répétition doit avoir lieu : il faut donc s’assurer qu’il n’y a pas de réglage de feedback activé.

Pour le coup, l’effet d’espace va être assez faible, mais le slapback delay va faire gagner en corps à l’enregistrement et ajouter un peu de dimension.

Prenons un exemple simple avec la voix rappée de l’artiste canadien Admiral Crumple, extraite de son morceau Keeps Flowing (et avec son aimable autorisation).

Voici le mix brut :

Avec une réverbe (un peu forcée pour le coup), c’est sympa, mais on perd en punch, en dynamique :

Par contre, avec un slapback delay (à nouveau un peu exagéré) c’est mieux, et nettement plus adapté au style :

Option 2 : Un delay long

Une autre astuce consiste à augmenter le réglage de Feedback pour générer des réflexions multiples, un peu comme une réverbe.

Ce faisant, une partie du signal en sortie est réinjecté dans le plugin, donnant une sensation d’espace souvent typée vintage, mais moins dense que ce qu’on pourrait avoir avec une réverbe.

Voici un exemple de création d’un espace ressemblant à celui d’une réverbe mais grâce à un delay :

A noter que bien souvent, si les répétions sont synchronisées avec le tempo du DAW, l’effet sera plus intéressant car il ne nuira pas au rythme du morceau.

Astuce : pour les nappes de synthés, utilisez un delay de type « ping pong » pour une image stéréo plus large

Et pour aller plus loin

Pour encore plus de texture et surtout pour avoir un son plus coloré ou du moins plus personnalisé, une autre option reste à votre disposition : enchaîner un delay puis une réverbe sur la même piste.

Certes, cela peut sembler extrême, mais ça vaut le coup d’essayer si vous aimez le côté un peu expérimental et que vous voulez trouver « votre propre son ».

En conclusion

Au final, il est clair que les delays sont aussi puissants que les réverbes pour donner un effet d’espace dans vos mixages.

S’ils offrent un son assez différent et moins réaliste, leur densité sonore plus faible, aussi bien temporellement qu’en termes de fréquences, les rend plus faciles à mixer.

Et peut-être un peu plus originaux.

Alors, sur vos prochains mix, essayez de mettre un delay au lieu d’une réverbe (par exemple un de ces plugins gratuits) – ça faut vraiment le coup 😉

DuBon

La réverbe est sans aucun doute l’un des effets les plus utilisés lors du mixage des pistes de voix.

En effet, difficile d’imaginer une piste de chant complètement sèche, sans aucune ambiance autour qui viendrait donner du réalisme.

Cependant, dans la plupart des morceaux, la voix joue un rôle plutôt central dans le mix : elle est mise en avant, et on s’attend donc à ce qu’elle soit en permanence intelligible et claire.

Le problème, c’est que de mauvais réglages de réverbe sur cette piste peuvent nuire fortement à la qualité du mixage : on peut avoir l’impression que la voix est trop éloignée, qu’elle est noyée dans le mix, que les paroles ne sont pas assez compréhensibles…

Autrement dit, pour bien appliquer de la réverbe sur une voix, il est important de connaître certaines techniques essentielles — que je souhaite partager avec vous via cet article.

#1 : Placez vos réverbes voix sur des pistes retour

Lorsque vous ajoutez un plugin de réverbe sur votre piste de voix, vous avez deux choix :

• soit vous le positionnez en insert, directement sur la piste ;
• soit vous le positionnez en send, c’est-à-dire sur une piste de retour dédiée.

Si la première solution peut sembler plus rapide, c’est généralement une très mauvaise idée. Hormis peut-être pour le sound design, je ne vois pas de situation où mettre la réverbe en insert apporte un quelconque avantage.

En effet, lorsque votre plugin de réverbe est positionné directement sur la piste de voix :

• d’une part vous ne pouvez pas traiter le signal de la réverbe de façon isolée (par exemple en la compressant ou en l’égalisant) ;
• et d’autre part, suivant votre plugin, vous allez avoir du mal à ajuster le niveau du signal (lorsque vous augmentez la quantité de réverbe avec le fameux bouton « Mix », cela diminue souvent la quantité de signal brut).

Résultat, le mixage de la voix et de sa réverbe en sort complexifié.

Aussi, utilisez par défaut des pistes Send pour vos réverbes ! 😉

#2 : Quelle réverbe pour la voix ? (bien choisir sa réverbe)

Il existe de nombreux types de réverbes : certaines sont des rooms, d’autres des halls, d’autres sont dites à plaque, etc.

Cela se traduit par des différences sonores évidentes entre les morceaux.

Par exemple, la magnifique réverbe du morceau « Wicked Game » de Chris Isaak…https://www.youtube.com/embed/dlJew-Dw87I?feature=oembed

…n’a pas grand chose à voir avec celle de « Children of the Sun » de Dead Can Dance :https://www.youtube.com/embed/1Z4uITELiqw?start=80&feature=oembed

De surcroît, d’un plugin à l’autre, le son n’est bien sûr pas le même : la réverbe « Room » du plugin A ne sera pas la même que celle du plugin B.

Il est donc particulièrement important, lorsque vous mixez vos pistes de voix, d’utiliser « la bonne réverbe ».

Mais comment choisir, justement, la bonne réverbe ?

Eh bien, pour moi le processus est assez simple :

1. Vous décidez d’une ambiance pour votre piste de voix ;
2. Vous sélectionnez le plugin qui permettra d’atteindre cette ambiance ;
3. Soit en vous appuyant sur les presets, soit en allant directement dans les réglages, vous trouvez un son qui correspond à l’ambiance imaginée au point #1.

Le choix de base — ce point #1 justement — est vraiment très important.

Si vous cherchez une réverbe au hasard, vous ne trouverez pas ce que vous voulez.

Si par contre vous définissez dès le départ les caractéristiques de la réverbe idéale, cela vous permet de vous fixer une cible.

Votre réverbe sera-t-elle :

• large ou intimiste ?
• sombre ou claire ?
• précise ou diffuse ?
• etc.

N’hésitez pas à utiliser des morceaux de référence : vous voulez sonner comme Chris Isaak plus haut ? Eh bien analysez son morceau pour identifier les caractéristiques de la réverbe.

Parmi les différents types de réverbe mentionnés au début du chapitre, il est bien sûr possible de tout utiliser : il n’y a pas de règle absolue.

Ceci dit, sur les voix, je trouve que les réverbes à plaque sont généralement très efficaces : c’est le type de réverbe que je vous conseille de tester en premier.

Après, il est tout à fait possible d’employer des réverbes de type Room, Hall ou Chamber à la place.

Notez aussi qu’il existe un type de réverbe nommé « Ambiance ». On ne le retrouve pas nécessairement sur tous les plugins, mais ce type de réverbe peut être intéressant pour ajouter de la dimension à une piste sans pour autant que la réverbe soit trop marquée / audible.

Un peu pour ajouter un soupçon de naturel à un enregistrement un peu sec — ce qui peut par exemple être utile sur du mixage de voix rap.

#3 : Ajustez le pre-delay de votre réverbe

Lorsque vous mettez de la réverbe sur la voix, cela peut avoir pour effet de masquer les paroles.

En effet, les premières réflexions simulées par l’algorithme se superposent au son brut, et les mots et syllabes ont tendance à sembler noyés. Il est difficile de les comprendre.

Voici un exemple avec une piste brute :

et la même piste — désormais plus difficile à comprendre — avec la réverbe :

Si ce type de situation se produit, c’est peut-être parce que le pre-delay de votre réverbe n’est pas bien ajusté.

Le pre-delay, c’est tout simplement la durée (généralement en millisecondes) entre le son initial et les premières réflexions.

En augmentant ce pre-delay, vous allez donc retarder la réverbe.

Résultat : votre piste de voix gagne en clarté, en intelligibilité, et a même tendance à se repositionner au devant du mix.

Si l’on reprend notre exemple, mais cette fois avec un pre-delay marqué d’environ 90 ms, vous pouvez entendre que la réverbe est désormais dissociée de la piste de voix, ce qui rend cette dernière bien plus compréhensible :

#4 Egalisez votre réverbe

L’avantage d’avoir positionné votre réverbe sur une piste send (cf. conseil #1), c’est que vous pouvez la retraiter comme bon vous semble.

Notamment, en appliquant une égalisation — ce qui pour moi est indispensable.

100% de mes réverbes sur mes pistes de voix sont égalisées d’une façon ou d’une autre.

Pourquoi ?

Tout simplement parce que sans égalisation, deux phénomènes se produisent :

• Tout d’abord, des résonances se créent au niveau des bas-médiums en raison de l’addition de la piste brute et de la piste avec réverbe. Problème : ces fréquences sont les fréquences fondamentales de la voix. Si on n’égalise pas, les bas-médiums vont sembler très brouillons.
• Et puis, suivant le plugin de réverbe utilisé, la sibilance de la voix peut ressortir de façon trop marquée.

Il convient donc d’égaliser ces problèmes, parfois de façon assez extrême, en utilisant des filtres passe-haut/passe-bas ou low-shelf/high-shelf :

#5 : Essayez le sidechain sur votre réverbe

Toujours dans l’idée de faire ressortir la piste de voix par rapport à la piste de réverbe — ou du moins d’éviter que la première soit noyée dans la seconde, vous pouvez utiliser la compression sidechain.

Le concept est simple : vous compressez la réverbe lorsque la voix est présente, et vous arrêtez de compresser dès que le chanteur ou la chanteuse s’arrête de chanter.

Résultat : dès qu’il y a un espace entre deux mots ou deux phrases, la réverbe va s’entendre. Mais dès que la voix reprend, la réverbe repasse en second plan.

Cela permet une intelligibilité maximale des paroles : c’est vraiment une technique efficace.

Cependant, soyez prudent(e) : faites attention à ce que votre réverbe soit toujours suffisamment réaliste, et assurez-vous que l’effet ne soit pas trop identifiable (sauf si c’est un style que vous voulez donner à votre morceau).

Par défaut, ciblez-donc une réduction de gain de quelques décibels au maximum.

En conclusion

Voilà, ces astuces devraient vous aider à améliorer vos réverbes sur vos pistes de voix.

DuBon

Le beatmaker est un artiste de l’ombre. Souvent enfermé dans son studio, le casque bien vicé sur les oreilles, il compose patiemment de la musique sur laquelle rappeurs ou chanteurs viennent poser leurs textes.Même s’il travaille sur un ordinateur, le créateur d’instrus est avant tout un musicien. Inspiré en permanence, il est capable de créer des mélodies harmonieuses et efficaces afin de les vendre à divers interprètes à la recherche de la bonne prod.

Devenir beatmaker professionnel ne se fera pas du jour au lendemain. Vous aurez besoin d’une bonne dose de talent ainsi que d’un amour inconditionnel pour la musique que vous produirez afin de réussir à tutoyer les sommets de la MAO.

Le travail acharné sera également un paramètre décisif dans votre carrière. Si vous ne comptez pas vos heures et que vous possédez les bons outils, vous aurez une petite chance de vous faire une place dans l’univers très concurrentiel du beatmaking.

Apprendre à jouer d’un instrument

Commençons par les bases. Si vous voulez composer votre propre musique sans vous contenter bêtement de copier le travail des autres, achetez-vous un instrument de qualité et bossez-le à fond.

L’idéal est de se mettre au piano car la majorité des instrus se façonnent avec des accords de synthé. La guitare vous sera très utile également.

Associés à des plugins à installer sur votre logiciel de MAO, ces deux-là vous permettront de reproduire le son de tous les instruments de la planète.

C’est en superposant ces diverses sonorités que vous parviendrez à produire des morceaux inspirants.Vous pouvez prendre des cours avec un prof confirmé ou essayer de vous faire la main tout seul en regardant des vidéos sur internet, peu importe. L’essentiel est d’être capable de lire une partition ou une tablature et de réussir à jouer vos titres favoris.Dès que vous vous sentirez vraiment à l’aise, vous serez en mesure d’improviser vos propres compositions.

Bien choisir son logiciel

Une fois que vous aurez bien apprivoisé votre instrument, vous pourrez le brancher à votre PC afin de vous enregistrer et de commencer à travailler vos premiers beats en associant vos compositions à des samples efficaces.

Il existe différents logiciels de MAO (musique assistée par ordinateur) et il ne sera pas facile de savoir lequel choisir. Le fonctionnement de base sera le même partout : connecter son instrument, importer une banque de son, combiner le tout avec des effets, tout ça sera possible.La différence se situera surtout dans le graphisme et dans l’organisation des divers éléments. Le mieux est d’en essayer plusieurs et de voir sur lequel vous vous sentez le plus à l’aise.La plupart des programmes de beatmaking possèdent des versions d’essai gratuites, vous pourrez donc les tester sans avoir rien à débourser.Voici justement une petite liste des stations audionumériques les plus populaires, disponibles sous Mac et Windows :

• FL Studio : un logiciel idéal pour les DJs et les producteurs de musique électronique.
• Reason : le top pour les musiciens car il comporte une grande sélection d’instruments virtuels.
• Ableton Live : un programme pour accompagner les artistes sur les concerts.
• Cubase : le logiciel historique de la MAO.
• Logic : disponible uniquement sous Mac, il plait beaucoup aux utilisateurs de ce système d’exploitation.
• Pro Tools : sans doute le DAW le plus populaire, il est très accessible pour les débutants.

Se former

Même avec une bonne maîtrise de l’informatique, vous vous rendrez vite compte qu’il est très difficile de s’y retrouver dans ces logiciels de beatmaking.

Si vous décidez d’apprendre tout seul dans votre coin, cela vous prendra énormément de temps et vous passerez certainement à côté de pas mal de choses.

En 2019, il existe des formations pour devenir beatmaker professionnel à tous les prix qui vous enseigneront pas à pas comment bien utiliser tous ces outils complexes.

Certaines écoles spécialisées comme l’École Nationale Supérieure Louis Lumière de Saint-Denis proposent des cours de MAO dans leurs locaux mais la grande majorité des beatmakers préfèrent se former en ligne via des plateformes digitales.

Ceci s’explique par les nombreux avantages qu’offre ce genre de système. En voici trois principaux :

1. Un apprentissage flexible : Une fois inscrit, vous aurez accès à des vidéos très détaillées que vous pourrez mettre en pause, reprendre plus tard ou revisionner à volonté.
2. Des horaires libres : Les cours seront accessibles à tout moment. Il sera donc possible d’y accéder après le boulot ou pendant le weekend.
3. Des professeurs de qualité : La plupart des formations sérieuses sont assurées par des professionnels du monde de la musique. Leurs enseignements sont donc précieux car ils proviennent directement du terrain.

À vous de faire vos petites recherches pour dénicher le programme idéal. En fonction de votre budget mais aussi du feeling, le formateur qui vous fera progresser est un choix très subjectif.

Faire connaître votre musique

Après quelques années d’apprentissage, des morceaux intéressants devraient commencer à sortir de votre home studio. Ce sera le moment de mettre le paquet sur la promo afin que les artistes entendent parler de vous.

À partir de là, vous aurez le choix parmi toute une palette de techniques marketing à adapter en fonction de votre profil.

La première étape sera de bien sélectionner votre cible. Il faudra écouter avec attention les interprètes qui évoluent dans votre univers musical afin de découvrir les personnes qui vous ressemblent.

Commencez d’abord par vous intéresser à la scène locale mais n’hésitez pas à élargir votre champ d’action.

Des producteurs d’instrus amateurs méconnus ont parfois réussi à attirer l’attention de grosses pointures de la chanson alors pourquoi pas vous.

• Créez un profil sur les différents réseaux sociaux et soyez actif.
• Publiez des démos de vos béats sur des sites gratuits comme SoundCloud.
• Mettez-les en vente sur les plateformes dédiées comme BeatStars.
• Envoyez-les directement aux artistes et aux producteurs.

Le beatmaking est un métier totalement digital. De la création à la promotion, vous devrez maîtriser les nouvelles technologies à la perfection pour espérer réussir.

Les deux principales compétences à posséder pour devenir beatmaker professionnel sont la création d’une musique percutante et la mise en place d’une communication en béton.

DuBon